El cantante barcelonés Loquillo ha sorprendido en su entrevista en el programa Lo de Évole, de La Sexta, al revelar algunos de sus hábitos para mantenerse en forma, incluyendo un método poco convencional: meterse en una cámara de frío. El artista explicó cómo cuidaba su cuerpo y mente para seguir activo.

Durante la conversación con Jordi Évole el pasado domingo por la noche, el músico dejó claro que su energía no era casual. Su rutina diaria está marcada por la actividad constante: “Ya sea una película, un documental, un libro nuevo… lo que sea, pero tengo que estar en funcionamiento. Porque así agilizo la mente y no envejezco”, afirma.

Esta necesidad de mantenerse ocupado se presenta como uno de los pilares de su estilo de vida, alejado de la inactividad. Aunque el entrevistador sugirió que podía existir cierto miedo al paso del tiempo, Loquillo lo descartaba con rotundidad: “Me siento muy orgulloso de tener 65 años”.

Sin embargo, lo que más llamó la atención de la entrevista de Loquillo fue su particular forma de recuperación física tras periodos intensos de conciertos. “En hielo no me baño, pero me meto en una nevera de vez en cuando”, confesó. Lejos de tratarse de un electrodoméstico, el cantante detalló que utilizaba una cámara específica similar a la que emplean los deportistas de élite.

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“Es una cámara determinada que sirve para cuando los jugadores de fútbol juegan tres partidos a la semana. Muchos de ellos, cuando terminan con dolores musculares, utilizan ese método para recuperar el tono”, explicó. En su caso, recurría a esta técnica cuando encadena actuaciones, buscando aliviar la carga física.

El proceso no dejó indiferente: la “nevera” oscila entre temperaturas de 7 y 11 grados, y el cantante entra sin ropa a las sesiones. “Lo inventó Mick Jagger”, añadió.

Además, el artista comentó otras rutinas de cuidado personal: reconoció que no había utilizado ozono “como los ciclistas”, pero sí afirmó haberse “limpiado la sangre”, sin dar más detalles. La reacción de Évole reflejó el tono de una entrevista en la que Loquillo se sintió cómodo para compartir datos personales sobre el paso del tiempo y la recuperación física.

El pasado sábado, 18 de abril, el cantante Dani Fernández se encontraba dando un concierto en el Roig Arena de Valencia cuando sufrió una estrepitosa caída en mitad de la actuación. Debido al accidente, el artista se vio obligado a detener el evento durante aproximadamente 25 minutos, para continuar con el espectáculo tras haber recibido atención médica.

El artista experimentó el percance alrededor de las 21:45 horas. Durante el impacto, el joven sufrió una luxación de hombro y una notable brecha en la cabeza. No obstante, rápidamente fue atendido por los servicios sanitarios presentes en el concierto, colocándole una vía para administrarle la medicación pertinente.

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Posteriormente, el cantante reapareció en el escenario portando un vendaje en su hombro y sin camiseta, pidiendo disculpas a los más de 10.000 asistentes a la cita musical y tratando de continuar el ritmo con total profesionalidad. "Decir que os he dejado tirados. Así que vamos a seguir. Vamos a hacer que esto sea una fiesta", lanzó como mensaje al público.

Tras la finalización del concierto, Dani Fernández acudió al hospital para una observación más exhaustiva de sus lesiones. A pesar de las consecuencias, el artista ha querido tranquilizar a sus seguidores asegurando su buena recuperación y agradecer todas las muestras de cariño y apoyo que ha recibido en las últimas horas.

"Me han dado malas noticias o mejores de las que podía haber pasado, porque podía haber pasado cualquier cosa hoy. Resulta que tengo rotura de ligamentos en el hombro. Mañana de urgencia me van a tener que operar. No sabemos cómo va a ser la recuperación, así que nada, simplemente quería hacer este vídeo para decir que podría haber sido peor, que estoy bien, que además todos han actuado muy rápido", asegura en una reciente publicación en Instagram.

El cantante ha confirmado que estará un poco alejado del foco durante los próximos días y que tratará de volver a los escenarios lo antes posible. También confirma que seguirá informando de la evolución de su estado de salud para continuar con la gira que tiene por delante, de manera que los seguidores estén al tanto de las nuevas actualizaciones.

No me entiendan mal: aquí no venimos a juzgar la actitud particular, entre la devoción y la exhibición, con la que cada cual se acerca a los actos religiosos; Dios nos libre. Pero a nadie se le escapa que el postureo se amolda al oportunismo y el mercado genera sucedáneos a gusto del consumidor, que en este caso se trata de un público joven, educado en considerar las emociones como criterio de validación de la verdad y que descubre un catolicismo al que no ha tenido acceso en su infancia. La cosa concuerda con los últimos datos que apuntan a que los padres cada vez bautizan menos a sus hijos, pero que los jóvenes acuden cada vez más a los catecumenados para subsanarlo.

Ya vimos, en los años diez y a principios de los veinte, el auge de un cristianismo masivo en ambientes evangélicos, con conversos como Daddy Yankee, Farruco o Dani Alves, enfocados en la experiencia personal. A ellos se unieron gurús mazados con vocación mesiánica como Yados y el movimiento NoFap, con ReneZZ como miembro activo: esos que dicen que no hay que zurrarse la sardina porque merma la virilidad, pero bien que la arriman al ascua de la moda de turno. Pero lo que vemos ahora es algo más iconográfico, más católico y más comunitario. Tiene que ver con el auge del barroquismo, con el cansancio del cinismo irónico de los memes, con el deseo de un relato sólido que no sea catastrófico y con la necesidad urgente de pertenencia física. Los conciertos de Hakuna o los retiros de Effetá sorprenden por la afluencia masiva de jóvenes con sus afectos a flor de piel, preparados para vivir experiencias fervorosas.

Sin embargo, ya el papa Francisco advertía en la encíclica Lumen fidei (2013) de los peligros de un cristianismo endeble, reducido a una explosión de sentimientos, si no hay coherencia social acorde con el Sermón de la montaña. Una línea que ha continuado el papa León XIV en su reciente reunión con los obispos españoles, donde advirtió contra una fe convertida no solo en sentimentalismo, sino también en eslogan, gesto identitario o arma arrojadiza contra el otro, es decir, instrumentalizada políticamente (aunque este es otro tema y no baladí). La advertencia ha sido recogida por los obispos españoles en la nota doctrinal recién publicada, Cor ad cor loquitur, de la Comisión para la Doctrina de la Fe de la Conferencia Episcopal, que advierte contra la absolutización emotivista, que puede reducir la fe a experiencia subjetiva, hacerla inestable y susceptible de manipulación.

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Pero no pensemos que la diferencia entre una expresión religiosa genuina y un sucedáneo del mercado está en el erotismo, puesto que este nunca ha sido extraño al cristianismo, que afirma que Dios es amor hasta sus últimas consecuencias. El erotismo de la mística, de esa que decía Lacan hablando de la Santa Teresa de Bernini: "¡Vaya si goza!", en su Seminario 20, estaba ya en El Cantar de los cantares, el libro más sensual de la Biblia, cuando dice: "¡Béseme con los besos de su boca!", o "Es mi amado para mí, bolsita de mirra, que descansa entre mis pechos. Es mi amado para mí, racimito de alheña de las viñas de Engadí". La belleza del texto no es solo artificio, sino el punto de partida de una analogía en la que el deseo humano permite pensar, siempre en un estado de carencia abismal, el exceso que es la paradoja de lo divino, cuestión que desarrolla Eduardo Abril en su reciente libro Olvidar a Dios, al abordar la teología del filósofo Slavoj Žižek. Se trata de esto que se llama teología apofática o negativa, que tiene dos modos de expresión límite: la negación de toda imagen por la vía iconoclasta, o la expresión del amor extremo en el erotismo, en un lenguaje sensual y corporal, que es el referente de gran parte de la mística cristiana.

No es casual que santa Teresa de Ávila, Matilde de Magdeburgo o Ramón Llull hablaran de besos amorosos, heridas palpitantes, abrazos hondos y desposorios, como se recoge en el clásico publicado en la editorial Herder, Historia de la mística, de Hilda Graef. San Juan de la Cruz describe el alma herida por las "llagas espirituales de amor" de su Esposo, donde dolor y gozo se funden, hasta alcanzar la unión espiritual, estado de perfecta alegría en el que el alma se sabe morada de Dios y vive abrazada por Él. La cuestión es que ese registro, precisamente por su belleza y su potencia, tiene unos límites muy endebles que hasta ahora se habían prestado a la transgresión.

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Hay quien dice que la religión nunca se fue y que "nada nuevo hay bajo el sol", como señala el Eclesiastés; que Madonna ya hacía lo que hoy hace Rosalía, pero que eran otros tiempos, y la provocación que antes era vista como transgresión ahora se recibe con apertura mental, que lo hace family friendly. Pero hoy, lo que ha cambiado no tiene su origen solo en la recepción, sino en el modo en que algunos artistas se acercan a la provocación, cuando la transgresión efectista clásica está ya agotada, desde el momento en que lo afectivo se ha posicionado como único criterio moral y ha devorado toda norma. Madonna usaba crucifijos y vírgenes, sabiendo que cruzaba una frontera y encontraba en ello su goce, como un regodeo en la culpa. Lo mismo vemos en don Juan Tenorio que en las peripecias de la Justine de Sade, que escandalizaban al tiempo que confirmaban paradójicamente lo sagrado, afirmando la norma en su profanación. Hoy la estrategia es otra, como se ve en la rapera Tokischa, que grabó hace unos días un vídeo sin permiso del obispado en una iglesia de San Sebastián, apareciendo sensual y semidesnuda. Así, declaraba en su Instagram que "Dios me acepta como soy, me creó, no me juzga", que "está presente en cada célula de mi cuerpo". ¡Y que venga Dios y lo niegue!

La estética católica, aun sin trasfondo religioso, es eficaz porque conserva un excedente simbólico, como si dejara entrever algo más de lo que muestra. Es algo que ya estaba en el estilo de Dolce & Gabbana o en el cine de Sorrentino, donde el "aura", la belleza y el peso visual de lo religioso, al quedar desprendidos de su referencia, se orientan hacia un hedonismo de alta intensidad. Algo parecido ocurre si se compara el cine de Kieślowski, abierto al sentido y problemático como la mística, con el de Lars von Trier en Dogville o Nymphomaniac, o con la trilogía Paraíso de Ulrich Seidl, donde la experiencia religiosa de sus protagonistas, casi siempre mujeres que rozan el trastorno mental, no es compartida, sino ofrecida a la mirada voyeur del espectador fascinado.

Pero si esta nueva estética de lo católico se justifica a veces con el argumento de que toda vía es buena si sirve para acercar a los jóvenes al cristianismo, lo mismo podría decirse que el reciente show de Rosalía sirve para popularizar la ópera o el ballet. El problema es que ese tipo de sucedáneos para dummies no dejan de ser un engaño, una adulteración y son, por tanto, una privación para quien crea que lo de Rosalía va realmente de eso, lo cual convierte en una anécdota anodina la arrogancia de Timothée Chalamet.

El debut del cantante Guitarricadelafuente como actor en La bola negra, la nueva película de Javier Calvo y Javier Ambrossi, ya marca uno de los giros más relevantes de su carrera. El músico, que participa en este proyecto inspirado en la obra inconclusa de Federico García Lorca, ha afrontado el reto desde una implicación emocional absoluta.

Conocido también como Álvaro Lafuente, el artista debuta en esta producción que se estrenará en el Festival de Cannes, y que adapta, desde distintos ángulos, una obra inconclusa de García Lorca junto con elementos de La piedra oscura, de Alberto Conejero. La película explora las vidas de tres hombres en épocas distintas, conectadas por la identidad, el deseo y el dolor.

En una entrevista para la edición mexicana de The Hollywood Reporter, Lafuente ha reconocido que el proceso ha supuesto una inmersión intensa, tanto en el contexto histórico como en su propia experiencia emocional.

La preparación del personaje le ha llevado a investigar cómo se vivía la realidad queer en momentos de gran dureza en España, especialmente en tiempos de guerra, donde la supervivencia era prioritaria: "Se siente, incluso, una cierta culpabilidad. No me puedo permitir o no puedo darme esa importancia a mí mismo, cuando esos tiempos reflejan tanto sufrimiento y tanto dolor".

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En ese camino, el trabajo con los Javis ha exigido abrirse por completo: explorar recuerdos, emociones y posibles heridas para construir una interpretación honesta. La exposición personal forma parte del núcleo creativo de una película que busca reivindicar aspectos ocultos de la figura de Lorca.

En paralelo a su carrera musical, el intérprete asume este proyecto como una experiencia transformadora. “Te vulnerabilizas muchísimo”, ha explicado, al tiempo que ha admitido la intensidad del proceso y su impacto en su manera de entender el arte. "Ahora mismo tengo la piel muy fina", ha afirmado, reflejando un estado de sensibilidad que conecta tanto con su papel como con su evolución artística.

Aunque no tiene claro si continuará en el cine, pese a recordar que de pequeño quería ser actor, sí reconoce que esta primera incursión ha sido una de las más enriquecedoras de su trayectoria, marcada por la necesidad constante de explorar nuevos caminos y romper barreras personales.

Y de esas botas habla precisamente Boots on the Ground (algo así como botas sobre el terreno), un tema que ha unido a Tom Waits (California, 1949) con el colectivo británico Massive Attack que, a finales de los ochenta, prácticamente inventó el trip hop. El viejo genio que convirtió el folk y el jazz en un aullido y los chicos que grabaron una maravilla como Blue Lines (1991) han preparado un artefacto de demolición contra la actual administración norteamericana, los “imbéciles federales” y los que usan “jodidas ametralladoras”, mientras nosotros “cortamos sus setos y luchamos en sus guerras”. Todo un manifiesto lleno de vitalidad que nos llega de dos artistas que llevaban cerca de 15 años sin dar muchas señales de vida.

No están solos. Bruce Springsteen (1949) se encuentra de gira por Estados Unidos, con su Streets of Minneapolis como mascarón de proa contra la brutalidad. Ese hippie anciano llamado Neil Young (1945) encadena cartas abiertas en las que acusa a Trump de destruir Estados Unidos y la eterna musa del punk, Patti Smith (1946) protagonizó, el pasado 25 de marzo en Nueva York, un momento definitivo cuando, acompañada por el boss y el cantante de REM, Michael Stipe, cantó su “People Have the Power” como respuesta a los abusos de poder.

Patti Smith (1946) cantó su 'People Have the Power' como respuesta a los abusos de poder el pasado 25 de marzo

Y cualquiera puede preguntarse por qué son precisamente ellos. Dónde hay que buscar las razones para que sean estos ilustres abueletes los que encabecen la rebelión contra un sistema que tiene medios sobrados para hacérselo pagar. Por qué olvidan sus achaques, vuelven a la carretera, se enfrentan a un micrófono o a un papel en blanco y se pelean con el más fuerte. Probablemente porque lo llevan en la sangre. Echemos un vistazo a su herencia.

Tom Waits siempre ha sido un enamorado del blues de los pantanos, del jazz de los garitos, y del rock descarnado. Salvaje e indomable, entre sus amigos se encuentra Keith Richards, el merecidamente mítico guitarra de los Rolling Stones y coautor de un himno como Street Fighting Man que contaba aquello de “el verano está aquí y el tiempo es el correcto para luchar en las calles”.

Massive Attack en pleno concierto (EFE EPA Balazs Mohai HUNGARY OUT)

Por su parte, Springsteen siempre ha aceptado la influencia de Bob Dylan y del rhythm and blues oscuro. ¿Qué se puede esperar de un hombre que hace versiones de Chimes of Freedom de Zimmerman, donde se recuerda a las víctimas de todos los conflictos? Y como tener dudas del espíritu combativo de una estrella que no duda en interpretar War, que hizo famosa el artista de la Motown Edwin Starr y que comienza gritando que la guerra “es buena para...absolutamente nada”.

Las credenciales de Neil Young también son convincentes. Bajó a California en los 60, desde su Canada natal, para encontrarse con Stephen Stills, formar Buffalo Springfield e incorporarse después a Crosby, Stills, Nash and Young. Dos críticas feroces contra la represión fueron dos de sus éxitos más importantes. En 1966, con los Buffalo, sería Stills quien compusiera For What It´s Worth. Después, en 1970 y ya con CSN&Y, fue el propio Young quien compuso una maravilla llamada Ohio en la que denunciaba la muerte de varios estudiantes por “los soldados de plomo de Nixon”.

Toda la rabia de Patti Smith sigue bien activa (EFE JuanJo Martín)

La siempre airada Patti Smith nació con la revolución punk. Admiradora confesa de poetas como Blake, Rimbaud y Verlaine y gigantes como el primer Van Morrison o los Doors de Jim Morrison. Ha andado por el filo de la navaja sin temor a molestar o respeto a las conveniencias. Su primer trabajo, Horses (1975) es todavía un objeto de culto que une letras inteligentes con guitarras hirientes y un amor confeso por el lado salvaje que con tanta eficacia describió su querido Lou Reed.

No es de extrañar que ahora se cierre el círculo, que los jóvenes rebeldes de hace 50 años olviden la artrosis y el lumbago para ser fieles a sus señas de identidad. Puede que su mejor momento haya pasado, pero el latido aún no se ha ido y el también viejo Donald Trump se ha convertido en la involuntaria causa del despertar de la rabia y del deseo de hacer justicia con una telecaster. Saben que, como decía Costello, sus objetivos son justos y que son los legítimos representantes del rock que de verdad importa.

Los propietarios del Estadio de Silesia anunciaron la cancelación del espectáculo, por motivos formales y legales, según recogió la agencia de noticias polaca PAP. El recinto decidió rescindir el contrato con la empresa organizadora del concierto "tras recibir presiones por el historial de declaraciones del artista", dijeron los propietarios a dicho medio.

Con anterioridad, la ministra polaca de Cultura, Marta Cienkowska, afirmó este viernes que evitaría la celebración del concierto por haber exaltado West el nazismo, y advirtió que el Gobierno "dispone de los mecanismos legales necesarios para impedir la entrada al país" si hace falta.

"No puedo imaginar que en Polonia, un país donde se asesinó a personas en los campos de exterminio nazis, podamos organizar un concierto de un artista que abiertamente dice admirar a Hitler, promueve la ideología nazi y se lucra vendiendo camisetas con esvásticas" declaró la ministra durante una rueda de prensa en Varsovia.

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El artista Kanye West tenía previsto actuar el próximo 19 de junio en el Estadio de Silesia, en Chorzów (sur), un recinto con capacidad para 55.000 espectadores. El evento, gestionado por el organizador polaco Projekt Hałas! ("proyecto ruido"), formaba parte de una gira europea que incluye fechas en otros siete países.

La trayectoria reciente de West ha estado marcada por la polémica que han levantado sus expresiones antisemitas y de exaltación del nazismo. El rapero ha generado indignación entre sus seguidores y el público general tras publicar imágenes de esvásticas en redes sociales y realizar declaraciones de odio, aunque el artista sostiene que sus acciones fueron consecuencia de una crisis de salud mental y episodios bipolares.

El posicionamiento de Polonia se produce poco después de uno parecido en el Reino Unido, donde el Gobierno británico impidió la entrada al país de West, que iba a actuar en el Wireless Festival de Londres. El Ministerio del Interior británico fundamentó oficialmente el veto en que la presencia del rapero "no sería beneficiosa para el bien público", tras una fuerte presión política liderada por el primer ministro Keir Starmer.

Aunque la artista no ha adelantado mucha más información, ha compartido en su cuenta de Instagram la portada, en la que se la ve posando con un velo rosa tapándole el rostro.

Hace más de veinte años, Madonna vendió 4 millones de copias con 'Confessions On a Dancefloor', un trabajo que llegó al número uno en más de 40 países y que está compuesto por canciones icónicas como 'Hung Up', 'Sorry' o 'Future Lovers'.

Julián Villagrán, actor gaditano que estrenó en cines la semana pasada la película La buena hija, ha sorprendido al revelar una faceta menos conocida de su trayectoria: su vínculo con la música electrónica como DJ de tecno. A sus 52 años, el intérprete ha reivindicado su pasado y presente ligado al underground sevillano.

Durante una entrevista en el programa La Script, de María Guerra, Villagrán explicó con naturalidad cómo esa pasión por la música forma parte de su identidad desde hace décadas. "Soy DJ de tecno, y a mí me vuelve loco", afirmó, describiendo una actividad que va más allá de lo ocasional.

Su relación con la escena no es superficial, sino que responde a una experiencia prolongada, marcada por viajes, sesiones improvisadas y una forma de vida nómada vinculada a la cultura rave.

El actor detalló ese estilo de vida con imágenes muy concretas, alejadas del circuito comercial: "Yo soy más de maletas de discos y autobuses y coches en las rutas, irme a un descampado con uno o dos bafles y un generador, con gasolina, de tres días".

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La descripción conecta directamente con el espíritu del underground sevillano, especialmente el de La Alameda, donde Villagrán se formó artística y musicalmente. Allí no solo desarrolló su gusto por el tecno, sino que también dio sus primeros pasos en la música junto a otros nombres relevantes del cine español.

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Antes de centrarse en la interpretación, el intérprete de series como Superestar formó parte de varios grupos musicales junto a figuras como Rafael Cobos, Santi Amodeo o Manolo Solo. "He tenido grupos con todos ellos antes de empezar a hacer cine", recordó, subrayando una etapa previa que considera fundamental en su recorrido creativo.

Además, situó sus inicios incluso antes, en la adolescencia, cuando el entorno familiar ya estaba impregnado de música: "Desde muy pequeño, por mi padre que tocaba la guitarra, había discos de vinilo de rock and roll y yo desde los 12 años escuchaba y empezaba a tocar".

Con estas declaraciones, Villagrán no solo aporta una dimensión más personal a su figura pública, sino que también reivindica una trayectoria artística marcada por la mezcla de disciplinas. Su paso por el cine convive con una pasión constante por la música, consolidando un perfil creativo que se mueve entre escenarios muy distintos, pero conectados por una misma inquietud cultural.

En ese contexto revisionista comparece La novia vendida, que no llega al teatro como una excentricidad centroeuropea ni como una excursión folclórica, sino como una obra maestra a la que durante demasiado tiempo se le ha consentido vivir en una esquina. A Smetana (1824-1884) se le ha tratado muchas veces con esa condescendencia que reserva un aplauso simpático al compositor nacional, al pintor de costumbres, al animador de fiestas aldeanas. Y La novia vendida (1886) padece ese prejuicio de un modo casi caricaturesco. Se la despacha como pieza graciosa, colorista, simpática. Se la sonríe antes de escucharla. Error.

Porque la ópera posee el don infrecuente de la ligereza seria. Se mueve con brío, sonríe con malicia, corre con una agilidad contagiosa, pero debajo del júbilo escénico late una observación nada inocente sobre el amor y el dinero, sobre el matrimonio como acuerdo, sobre la identidad como mercancía negociable. Smetana no compone una postal. Compone una trampa encantadora. Y cuando el espectador cree asistir a una fiesta popular descubre que lo han sentado en mitad de una comedia feroz sobre la administración de los afectos.

Ahí radica su calidad. En la precisión con que convierte una intriga sentimental en un retrato social. En la música, claro, de una frescura insultante, pero igual de admirable resulta el modo en que cada personaje carga con un interés, un cálculo, una fragilidad. Nada chirría. Nada sobra. La maquinaria escénica gira con una naturalidad tan perfecta que parece improvisada, como ocurre solo en las grandes obras. Quien entra en el teatro con la sospecha de hallarse ante una curiosidad sale corrigiendo el mapa mental. Y viceversa.

Gustavo Gimeno acierta desde el primer gesto porque no trata la partitura como si bastara con dejarla discurrir. Hay directores que confunden la vivacidad con el desorden y el encanto con la indulgencia. La novia vendida no perdona ese paternalismo. Necesita una batuta despierta, una batuta con pulso, con relieve, con disciplina. Gimeno se la concede. La conduce con una claridad que no enfría y con una energía que no atropella. La música avanza, brinca, respira, pero nunca se derrama.

Un momento de 'La novia vendida' en el Teatro Real. (Teatro Real/Javier del Real)

Importa mucho ese enfoque, importa porque devuelve a Smetana la categoría que a veces se le regatea. No aparece aquí como fabricante de color local, sino como un dramaturgo musical de primera fila, dueño de una arquitectura finísima y de un instinto teatral prodigioso. El foso no acompaña la escena con docilidad decorativa. La sostiene, la espolea, la contradice cuando conviene. Hay nervio en la cuerda, hay perfil en la madera, hay una atención constante al dibujo de la frase. Y el resultado dignifica la obra sin cargarla de solemnidad, que sería otra forma de estropearla.

Laurent Pelly ha encontrado la puerta exacta de entrada recurriendo a la animación checa de mitad del siglo XX. La referencia no pesa como una coartada culta, funciona. Le da a la función un aire de fábula torcida, una levedad extraña, un humor ligeramente oblicuo que encaja de maravilla con el espíritu de la obra. Pelly conoce el peligro. Sabe que una comedia así puede despeñarse hacia la monería o hacia el griterío. Y esquiva ambas tentaciones.

Su montaje conserva la gracia sin envilecerla. Los personajes no quedan reducidos a figurines. Mařenka y Jeník pisan el escenario con verdad, no con azucarillo. Kecal no se agota en la mueca del manipulador jocoso. Vašek deja de ser un simple pelele porque alguien le ha concedido densidad humana. Esa inteligencia vale media función. El director francés observa a sus criaturas con ironía, pero no las desprecia. Les concede espesor moral. Y una comedia solo se vuelve memorable cuando el ridículo nunca cancela del todo la compasión.

Puesta en escena de 'La novia vendida' en el Teatro Real. (Teatro Real/Javier del Real)

La escenografía resume la tesis sin subrayados groseros. Esa nube de muebles suspendida sobre la escena cifra, con una elocuencia deliciosa, el verdadero asunto de la obra. El amor circula bajo la sombra de la propiedad. La pasión hace sus cuentas delante del aparador. La alcoba lleva inventario. No hay ocurrencia más cómica porque no hay verdad más incómoda. Pelly la clava con ligereza. Y duele más.

El reparto responde a la exigencia de una ópera que no admite el lucimiento aislado ni el divismo de escaparate. Pide voces que sepan actuar, escuchar, integrarse, medir el tono, entender la respiración del conjunto. Svetlana Aksenova, Pavel Černoch, Günther Groissböck y Mikeldi Atxalandabaso se mueven con solvencia dentro de ese mecanismo común. Nadie forcejea con el estilo. Nadie comparece a imponer una función paralela. Y el coro, tan decisivo, tan afinado, participa con plenitud de una coreografía colectiva que devuelve a Smetana la media sonrisa de la ironía.

La principal diferencia entre los eventos musicales y cinematográficos estriba en el impacto directo, indirecto e inducido que generan, es decir, los ingresos que se suman al margen de la entrada. Un nuevo estudio elaborado por la firma legal Sympathy for the Lawyer (SFTL) y la plataforma de financiación de conciertos y festivales Incentiva Music cifra en 5.812 millones de euros la actividad económica total, excluyendo segmentos adicionales como la electrónica en clubs, los conciertos gratuitos o de música clásica.

Esta cifra astronómica se explica añadiendo al gasto de las entradas lo que factura la industria más allá de la taquilla, como pueden ser los ingresos directos del propio evento (las consumiciones o el ropero, merchandising, experiencias VIP...) que alcanzarían los 1.261 millones de euros, sumada a lo que gastan los asistentes en hoteles, restaurantes y transporte (unos 3.210 millones de euros) y el efecto multiplicador de los salarios generados (unos 1.341 millones de euros). Los autores del informe calculan que por cada euro gastado en una sola entrada de concierto, se movilizan alrededor de 7 euros más de actividad económica total.

En solo diez años, la facturación de conciertos se ha multiplicado por cuatro

A diferencia de la taquilla del cine, los ingresos de la música en vivo no paran de crecer. En solo diez años, la facturación de conciertos se ha multiplicado por cuatro. El efecto pandemia perjudicó a las dos industrias, aunque la de conciertos ha terminado saliendo mejor parada durante estos últimos años. Ha crecido un 11% respecto a 2024, cuando la facturación alcanzó los 726 millones de euros; en cambio, las salas han perdido un 4,9% de facturación respecto al año anterior, llegando a los 453 millones de euros este año.

El mejor año para las salas de cine fue 2023, cuando alcanzó la cifra de 504,5 millones de euros. Nada que ver con las de 2019, justo antes de la pandemia, cuando estaban en 629,1 millones de euros. En cambio, en la música en vivo los ingresos han ido aumentando de manera exponencial hasta casi el doble con respecto a 2022, cuando estaban en 459 millones de euros. Ahora, a expensas de lo que pueda suceder en 2026, los espectáculos de música en vivo pueden rivalizar en ingresos con los partidos de fútbol en Primera y Segunda División de LaLiga, según recalcan fuentes de Sympathy for the Lawyer consultadas por este periódico.

Desde la Federación de Cines de España, lamentan este descenso de facturación con respecto al año anterior. Su presidenta, Almudena Fernández-Golfín, recalcó en rueda de prensa el pasado martes 14 de abril la importancia de las ayudas públicas directas para la supervivencia de las salas de cine, en particular el reparto de las ayudas del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), que cuatro comunidades autónomas se quedaron sin repartir a las salas: Aragón, Asturias, Extremadura y La Rioja.

Al preguntar las razones para que no existiera el reparto, Fernández-Golfín remitió la pregunta a los representantes públicos de las comunidades, afirmando que probablemente se debiera a la "cortedad de los plazos para pedirlas o las citas electorales que han tenido lugar en dichas autonomías".

En lo que respecta a la música en vivo, los autores del informe celebran los resultados, animando a que estas cifras tan grandes sirvan para poner en más valor la industria de la música. Aun así, "el sector demanda una reforma urgente que equipare las condiciones fiscales culturales con las del audiovisual (deducción del 20% frente al 30% del cine)", demanda el informe.

PREGUNTA. Voy a empezar, Enrique, citando la letra de la canción De un siglo anterior: "Yo... vengo de un siglo anterior... De contradicción y revolución". ¿Te consideras en peligro de extinción?

RESPUESTA. Bueno, definitivamente todos estamos en peligro de extinción. Me refiero individualmente, no como raza. Pero supongo que también como raza, porque como los planetas, todo acabará, el sol se apagará, etcétera. Pertenezco a una generación que tiene un pie en cada siglo, que ha trabajado y ha vivido en los dos siglos, en el XX y en el XXI, y tenemos esta mirada estratégica o privilegiada de recordar cosas que no nos gustaban y que nos gustaban del siglo anterior y viceversa, que es cómo está evolucionando este siglo, en qué dirección apunta... Entonces sí, creo que esa generación obviamente se extinguirá. Y luego eso también supone, dentro de la profesión, unas formas concretas de hacer y de trabajar la música. La propia evolución de la música lleva a cambios que son siempre interesantes y necesarios, y evolucionará en otra dirección. Teníamos un juego en la grabación en el que hablábamos de qué músicos del siglo XX perdurarán en el recuerdo, o se estudiarán en los libros de Historia. Pero no dentro de tres décadas, sino dentro de 200 años, en los que el siglo XX será visto como ahora estamos observando el XVII o el XVIII. Hoy acumulamos mucha información del siglo XVII, aunque no conocemos todo lo que ocurrió, toda la música que hubo, todos los músicos... No había grabaciones sonoras. ¿Tú qué músicos crees que perdurarán del siglo XX?

P. Bob Dylan, los Beatles...

R. Estás siendo muy generoso, ya con dos. ¿Seguramente porque estás considerando que no se encuentran por encima de, por ejemplo, [Ígor] Stravinsky, de Miles Davis y John Coltrane...?

P. Más o menos a la misma altura.

R. Pero fuera de Bob Dylan y los Beatles, a lo mejor nadie más. A lo mejor los Rolling Stones no. A lo mejor David Bowie tampoco.

P. ¿Por qué no?

R. Bueno, porque el saber sí que ocupa lugar y llega un momento en el que no puedes acumular tanto conocimiento. Ten en cuenta que de aquí a dos siglos seguiremos sacando discos y habrá gente que seguirá teniendo carreras fructíferas y habrá artistas que opaquen a otros y cuya música deje de escucharse. Para los chavales del siglo XXI es difícil ver una película de Gregory Peck.

"Fuera de Bob Dylan y los Beatles, a lo mejor del siglo XX no perdura nadie más. A lo mejor los Rolling Stones no. A lo mejor Bowie tampoco"

P. Salvo que dentro de 200 años se utilice la inteligencia artificial para recrear a David Bowie, por ejemplo.

R. ¿Pero para qué? Si habrá nuevos artistas, ¿por qué vas a recrear...? De hecho, ahí estamos especulando con respecto a cosas que puede hacer la inteligencia artificial, o que podrá hacer, y para qué la querremos utilizar. Pero yo creo, en mi opinión, que en el arte el punto de vista es muy importante. Y para el punto de vista es necesario el ser humano.

P. Hoy, un siglo después al anterior, ¿te preguntas, como M Clan, dónde está la revolución?

R. No sé si por cuestiones tecnológicas o por abatimiento, o porque las revoluciones en la actualidad son más improbables. Pero yo no sé leer el futuro.

P. ¿No tienes bola de cristal?

R. No. Quiero decir que, en el hartazgo de la gente, no sé cuál es el límite. Hombre, hay límites, como el pan de nuestros hijos, el hambre... Supongo que esos límites hacen que un país pueda estallar. Y ahora mismo el pan y el circo están más o menos asegurados.

P. ¿Cuál es tu revolución?

R. Mi revolución es artística. Yo soy un creador, entre comillas. Soy un tipo que hace canciones, graba discos, me gusta escribir... Incluso tengo mis escarceos particulares con la pintura. O sea, me gusta expresarme y me gusta comunicarme. Ese es mi lugar en este mundo, esa es mi misión. Eso es lo que yo creo que debo hacer.

P. ¿En qué crees a día de hoy? Lo digo por Creer que se puede creer.

R. Es una canción que habla de la creencia, de la fe en uno mismo, que es importante para encontrar tu propio camino. En cualquier disciplina artística, la tentación de unirte a un grupo o a una corriente que más o menos circula con alegría, pues es tentadora, porque siempre estamos más cómodos acompañados que solos. Pero en la creación es importante dar con tu lugar. Esa fe es necesaria para decir: "Sí, sé que todos estos están mirando para allá, pero es que a mí me interesa esto otro".

P. Como escribía G. K. Chesterton en Ortodoxia, ¿cuando uno deja de creer en Dios es capaz de creer en cualquier cosa?

R. Me encanta esa cita de Chesterton, siempre me ha encantado. Vivimos en un siglo en el que ya el siglo XX en sí mismo fue un poco así, ¿no? Dejar de tener esa creencia en algo superior a nosotros, esa pertenencia incluso, nos hace poner y depositar nuestra confianza en otras cosas: en ideologías políticas, pero también en ídolos del pop, en ídolos del fútbol... En cualquier memez, al final. Me parece que está bien que haya, digamos, algún sustento a nuestra moralidad que esté por encima de la ley.

Bunbury. (José Girl)

P. Cito lo que cantas en Peor que como estamos (Es difícil ya que estemos): "No nos van a censurar por no incomodar ni molestar". Por otra parte, en De un siglo anterior dices que "todo es tabú". ¿Se está "prohibiendo prohibir"? ¿Hemos llegado a un momento en el que todo es tabú?

R. Todo es tabú desde el momento en el que ahora escuchamos a través de las redes sociales y se ha democratizado la opinión. Todos opinamos sobre cualquier cosa porque en realidad todos tenemos opiniones distintas con respecto a cuando vemos una película o cuando nos gobierna alguien o cuando Dylan saca un disco. Nuestra opinión es distinta aunque la obra sea la misma, la obra del político o la obra del artista o la obra de quien sea o la obra de tu prima. Entonces, si atendemos y tenemos miedo a la reacción de la gente sobre lo que hacemos, que les parezca bien o mal, todo puede convertirse en tabú, porque siempre va a haber alguien al que le parezca no tan bien que yo haya hecho un disco de música latina o que la última película de Pedro Almodóvar hable de la creación (no lo sé exactamente, porque no la he podido ver todavía). Siempre va a haber alguien que le moleste algo. De alguna manera, la sobreexposición de las opiniones puede llegar a convertir todo en tabú y a que nos autocensuremos siempre por miedo a pisar algún charco.

P. ¿Cambian las ideas o cambian las canciones?

R. Todo, cambia todo. Cambian las ideas, luego cambian las canciones. Cambian las ideas porque las acomodamos, porque lo que queremos es gustar. Pero ya no como autor de canciones, sino como seres humanos queremos gustar; no queremos que la gente nos escupa por la calle ni nos insulte, lo que queremos es que la gente nos diga: "Oye, pues te quiero mucho".

P. ¿Todos necesitamos que nos quieran?

R. Claro. De alguna manera o de otra, en mayor o menor grado, en cosas más importantes o menos importantes, cambiamos un poco para moldearnos a los demás. En las comidas de Navidad, cuando llega tu cuñado, tu primo, tu hermana... y tiene una opinión política totalmente distinta, por complacer evitas determinados temas o suavizas un poco tu discurso. Igual que la política, podemos hablar de Bob Dylan: cuando estás con una persona que aborrece a Dylan, pues no le das la murga con, por ejemplo, la época cristiana, porque sabes que ahí a lo mejor esa persona salta y se va a levantar y te va a decir "que te aguante tu abuela", porque no quiere seguir con ese tema y se va a otro lado, entonces te pierdes su compañía.

P. Entonces, ¿lo que hacemos es complacer para no quedarnos solos?

R. En general, sí. En diferentes grados y en diferentes temas. Hay momentos en los que consideras que tienes que decir tu verdad o tu opinión o tu discurso... y si le pica, pues que se rasque.

P. ¿Crees que hay momentos en la vida en los que uno empieza a observar su propia historia desde fuera, como si fuera la de otros? En el vídeo de La próxima vez no habrá próxima vez se ven dos "Bunburys", uno rojo y otro negro.

R. Absolutamente. A mí me ocurre profesionalmente con etapas de mi carrera que considero tan lejos que casi me parece que no las haya vivido yo. Pienso en la etapa de Héroes del Silencio, pero también en Radical Sonora. Con esta última gira que hicimos con el Huracán Ambulante, yo reviví mucho esa etapa, pero también era una etapa que había quedado muy lejos en mi vida y prácticamente había olvidado muchas anécdotas y cosas que vivimos que me parecía que pertenecían a la vida de otra persona.

P. ¿Alguno de los dos "Bunburys" que aparece en este vídeo ha estado en la cima?

R. Bueno, en la cima obviamente estuvimos en el momento de Senderos de traición hasta el final de la vida de Héroes, que fueron cuatro años de explosión, de éxito popular, de ventas y reconocimiento. También eran otros momentos en España, cuando aparecías en televisión. Con Senderos de traición hicimos el Un, dos, tres... responda otra vez, el 3x4... Hicimos una serie de programas que veía toda España, 12 millones de espectadores, en ese momento. Entonces el alcance de la radio y de la televisión era brutal. Fue un momento de éxito, también internacional. Pero algo parecido yo no lo he vuelto a vivir. Te digo, afortunadamente, como digo en la canción (La cima), la cima no es lugar para vivir. A 8.000 metros el aire, el oxígeno, es escaso y es mejor hacer campamento dos metros más abajo.

"Con Héroes fueron cuatro años de explosión, de éxito popular, de ventas y reconocimiento. Pero la cima no es lugar para vivir"

P. ¿Y cómo se ven las cosas en el arcén?

R. En el arcén ves los trenes pasar. Algunos los agarras y otros dejas que se vayan.

P. La canción En el arcén es un tango, como No se fíe (Flamingos) o Adiós, compañeros, adiós (El viaje a ninguna parte). ¿Qué fue de ese disco de tangos que tenías previsto hacer?

R. A lo mejor lo hablé en algún momento. Me gustaría hacer un disco de versiones de tangos, es un género que me encanta, pero no sé si lo haré en algún momento o no lo haré nunca, pero es una cosa de propio placer. Es tan difícil y tan bonito cantar tangos... Tienen unos textos tan maravillosos, una rítmica y un fraseo tan complejo que para un cantante es un reto.

P. ¿En qué momento empezaron a surgir las ideas para las canciones de este nuevo disco? Porque ha salido relativamente cerca del anterior, de Cuentas pendientes.

R. Ahora estoy promocionando este disco y ya tengo 14 canciones para el nuevo, que es el próximo. Casi se puede decir que en el momento en el que termino las mezclas, incluso antes, yo ya puedo estar empezando a componer canciones, porque es una labor que realizo con cotidianidad, independientemente de para qué disco sea eso. A lo mejor hay canciones que no van a ninguno o hay canciones que luego las ubico en otros momentos. En este caso, creo que había tres canciones que me gustaban que no entraron en Cuentas pendientes, y compuse más de las que salen en este, canciones que ahora sí que ya no sé dónde van a entrar porque pertenecen a un género latinoamericano que no ha lugar en el próximo disco.

P. Cuando escuché las letras de De un siglo anterior, sentí que estabas siendo más reflexivo. ¿Estamos viendo (escuchando) a Enrique Bunbury hacerse mayor?

R. Sin ninguna duda. Mi DNI y mi pasaporte lo certifican. Es un hecho. Y afortunadamente, porque la otra opción es muy mala.

P. ¿Cuál es la otra opción?

R. Pues no envejecer es morir.

P. Es contradictorio...

R. Sí. Pero todos envejecemos. Todos vamos a envejecer, excepto los que mueran jóvenes.

Bunbury. (José Girl)

P. "En la imagen que devuelve el espejo no te reconocerás", cantas en Un brindis al sol. El espejo (y el reflejo) es una constante en este y en otros discos tuyos. ¿Qué te ha revelado el espejo?

R. Revela la obviedad del paso del tiempo. Pero esa revelación a la vez es una reconciliación con el hecho de que hay algo que subyace y que permanece, que en realidad eres tú y que tu carcasa, de alguna forma, no es lo que eres.

P. ¿Qué son esas cosas importantes que has descubierto tarde?

R. Pues casi todo. Bueno, en la profesión he descubierto que mi lugar es único, que no tiene por qué ser compartido, y que no tengo por qué atender a qué es lo que están haciendo los demás mientras yo estoy realizando esto. Porque es muy natural la envidia en la música, y yo he envidiado siempre el talento de los demás. He envidiado la facilidad que tiene éste para escribir ("Mira qué textos más bonitos", "Mira cómo toca la guitarra éste"...). Envidiar en el buen sentido, en el admirar, y eso te puede despistar en muchos aspectos. Lady Gaga hace un disco con Tony Bennett, por ejemplo, y entonces piensas: "A mí me encantaría hacer un disco con un cantante de jazz o con Diana Krall". Sería maravilloso, sí, pero es que ese no tiene por qué ser tu camino. Admirar que alguien haya hecho algo que le ha salido bien y encima ha tenido un reconocimiento no tiene por qué ser una cosa que tú tengas. Escucharte a ti mismo, escuchar cuál es tu camino y reconocer cuál es, esa es la parte más difícil.

"Es muy natural la envidia en la música, y yo he envidiado el talento de los demás. He envidiado la facilidad que tiene este para escribir"

P. ¿Por qué es la parte más difícil?

R. Pues porque tenemos sobredosis de información. Porque está llegándonos información todo el rato, con nuestro teléfono o con tal, con no sé qué... Porque estamos escuchando discos que nos encantan, porque vemos películas, porque leemos libros, porque llegan las noticias, porque nos mandan un WhatsApp... Porque estamos inundados y lo que menos tenemos es tiempo libre sin ningún tipo de exposición a lo que hacen otros. Y lo que hacen otros puede ser una tontería, con un piano, con una canción mierdera, o puede ser una obra de [Ludwig van] Beethoven, de [Frédéric] Chopin... Al final es lo mismo, es la opinión de otro, lo que otra persona hace. Da lo mismo que leas una patochada de libro que leer a [Ernest] Hemingway. Es información que te llega, que es de otra persona. A escucharnos a nosotros mismos no le dedicamos prácticamente ningún momento al día.

P. Sobre escucharse a uno mismo, leo que en tu último libro, Los suaves deslices de la lluvia, en el capítulo 'El niño', ya mencionas la frase "creer que se puede creer". En tus procesos creativos no es tanto que te autorreferencias, pero sí sigues un camino muy personal. O sea, que te escuchas mucho a ti mismo.

R. Bueno, intento que exista. De hecho, todos los que nos dedicamos de una u otra manera a la creación, escribiendo un libro, o pasando un tiempo creando una vasija de cerámica o lo que sea, tenemos un contacto mayor con esa escucha con nosotros mismos. Porque en algún momento, para crear música, tienes que parar la música de los demás. Es muy difícil hacer una canción mientras está AC/DC sonando a tope. Es imposible. Necesitas el silencio. Entonces, ese proceso interior lo forzamos un poco más.

"Para crear música, tienes que parar la música de los demás. Es imposible hacer una canción mientras suena AC/DC a tope. Necesitas silencio"

P. ¿Qué cosas te interesaban hace 20 o 10 años y hoy ya no te dicen nada? En De vuelta a casa (Greta Garbo) dices: "Lo que antes para mí era sagrado... Hoy tengo claro que todo pasa". Es algo que se encuentra en De un siglo anterior, la revisión del tiempo.

R. Creo que hay muchas cosas. Nos pasa con la misma música o con las mismas películas o con los mismos libros, que de repente hubo algo que leíste o escuchaste en la juventud que luego te parece... Bueno, sí, te recuerda a esa época, pero ya no tiene la importancia brutal que tuvo en ese momento. E incluso lo ves con un poco de inocencia. Pero también en otros aspectos ideológicos, filosóficos, espirituales... Cosas que veías de una manera y has evolucionado y has quitado un poco de hojarasca. Sinceramente, toda esa gente que de alguna forma se pavonea con que "yo soy el mismo", "sigo siendo el mismo" o "pienso igual que hace 20 años", pues poco ha leído en todo este tiempo, poco ha crecido o poco ha pensado, porque lo normal es tener variantes en tu pensamiento, en tu forma de percibir el arte, pero también en tu forma de concebir las cosas. Puedes tener unos pilares firmes, pero puedes moverte. Y yo me he movido en muchos aspectos. Para mí, antes el viajar era sagrado, ahora me gusta viajar, pero me parece que lo de "para un hombre de mundo es muy exótico volver a casa", estar en casa e incluso el no sentirme viajero por el turismo abrumador que inunda las capitales del mundo ahora mismo, el no contribuir a la foto en la Fontana di Trevi, me hace sentirme muy bien. Me siento más cool sin viajar, siendo que viajo mucho.

P. ¿Es una pequeña revolución?

R. Me parece una pequeña revolución responder "en casa" cuando te preguntan "dónde vas a pasar tus vacaciones". Ya viajo todo el año.

P. ¿Sigue siendo el futuro brillante?

R. Sí, sin ninguna duda. No sé para el estrecho de Ormuz, pero para mí es espectacular. ¿Qué es lo que pienso? Pues que voy a salir de gira, que voy a tocar las canciones que me gustan, que voy a intentar hacer a la gente feliz, que voy a grabar otro disco (a ser posible antes de 12 meses), y que tengo muchos planes familiares, planes artísticos... Me emocionan muchas cosas.

P. Hablando de la brillantez del sol y del futuro, voy a hacer un inciso en Zamba para olvidar ("Y ahora que me falta el sol..."), que realmente no es una canción tuya, sino un cover.

R. Es la única versión del disco. La verdad es que en principio no tenía intención de hacer ninguna versión en el álbum, pero esta es una canción que se me cruzó por el camino y que grabé solo en casa, y me encantó. Yo nunca he grabado una zamba. Tiene un carácter campesino que me apasiona, y hay una cosa de amor y de hermandad que tengo con Argentina que me emociona, y queda plasmada en este disco con dos canciones que van seguidas, por un lado el tango y por otro, la zamba. Es una gran canción.

P. De un siglo anterior y Peor que como estamos (Es difícil ya que estemos) son dos cortes de temática social que van también seguidos...

R. Sí. Cuando buscas el orden en un disco, muchas veces tiendes a separar las que tienen más en común para que la sensación en el oyente sea como de disparidad, que no todo el rato sea igual. Y a mí, como en este disco en realidad las temáticas y los géneros eran dispares ya en sí mismos, no me parecía mal como para crear un hilo conductor, que pasaran dos canciones que estuvieran unidas de alguna manera, a través del texto o a través de la canción.

P. Sin ser un disco conceptual.

R. Sin serlo para nada, no lo es en absoluto. O el único concepto que tiene es el musical, pero no los textos. Hay canciones que hablan de cosas totalmente dispares: sociales, personales, canciones que ni siquiera hablan de mí, canciones que hablan de amor y de desamor...

P. Acaba el disco con Un par de acordes, una mentira y la redención, que es un vals. Hay discos tuyos que acaban con un vals, que suelen ser temas reflexivos, como ...Y al final (Flamingos) o Cuentas pendientes'(Cuentas pendientes), aunque no cierra. Pero ¿por qué un vals para terminar?

R. Más que el ritmo utilizado en la canción, en este caso, cuando escribí la canción, yo tenía claro que era la que cerraba, por el tono de la canción y porque me parecía que incluía como una conclusión en sí misma. También es un poco una forma de decir que al final todo esto que has estado escuchando no es más que una búsqueda de un par de acordes y una mentira, que es la contradicción con respecto a la frase de definición del country de un par de acordes y la verdad. Al final, los autores tenemos algo de mentirosos. Estamos transformando la realidad y la exageramos a veces para parecer mejores. Siempre quedamos bien en las canciones los compositores y el que te ha hecho daño ha sido el otro. Incluso cuando te fustigas, lo que buscas es un poco la complicidad con el oyente. Somos unos tramposos.

"Los autores tenemos algo de mentirosos. Estamos transformando la realidad y la exageramos a veces para parecer mejores"

P. ¿Un verso es el lado más valiente de un cobarde?

R. Sí, tiene que ver con lo mismo, en aceptar que en realidad somos un poco tramposos, pero es que en eso consiste. El arte tiene algo de truco de magia.

P. Dice la letra de Un par de acordes, una mentira y la redención: "...No conoces el final hasta que llegas a él...". ¿La única razón por la que algo realmente importa es porque tenía un final, como escribes también en La única razón, dentro de Los suaves deslices de la lluvia?

R. Esa es la belleza del ciclo de la vida. Y todo en la vida tiene ciclos: los ciclos de las estaciones, la Tierra girando sobre sí misma y alrededor del Sol... Son ciclos que se cumplen, que empiezan y terminan. Y eso hace que tenga de alguna forma un sentido, o que le tengamos que dar uno. Pero que nosotros tengamos nuestra primavera, verano, otoño e invierno en nuestras propias vidas le da un sentido concreto a este paso por este mundo. Ese sentido cambiaría radicalmente si fuéramos eternos.

"A veces te gustaría saber si tienes un año, dos, 10, 20... Para organizarte un poco el tiempo. Para ir al cine o para decir: 'Perdona, pero no puedo"

P. Pero la eternidad es una holgazana...

R. La eternidad no existe en este mundo.

P. Entonces, ¿cuánto tiempo nos queda, solo es curiosidad (como cantas en El baile de los disfraces y la tentación, de Cuentas pendientes)?

R. A veces te gustaría saber si tienes un año, dos, 10, 20, 40... Bueno, para organizarte un poco el tiempo. Para ir al cine o para decir: "Perdona, pero no puedo".

El DOJ y unas 40 fiscalías estatales inicialmente presentaron en 2024 una demanda civil antimonopolio en Nueva York por "monopolización y otras conductas ilegales que frustran la competencia en los mercados", y buscaban una ruptura entre las empresas. El acuerdo entre el DOJ y Live Nation, al que se sumaron algunas fiscalías, y que debe aprobar un juez, exige a Ticketmaster pagar 280 millones de dólares, desinvertir en anfiteatros, cambiar sus acuerdos exclusivos de venta de entradas y limitar las comisiones al 15 %.

A pesar de esto, el proceso continuó con la acusación de 34 fiscalías, incluyendo algunas grandes como Nueva York, California y Texas, que argumentaron que las empresas ejercían un monopolio y eran responsables del alza de precios en el sector de la música en vivo. Live Nation, mientras, se defendió señalando que es la mayor empresa de entretenimiento y venta de entradas de EEUU y que no es ilegal ser "grande" ni "exitoso", recoge la revista Variety.

"Esta es una victoria histórica para proteger a los neoyorquinos de monopolios lesivos", dijo la fiscal estatal de Nueva York, Letitia James, en X, palabras suscritas por su homólogo de California, Rob Bonta, que otorgó una "victoria estrepitosa a los artistas, fans y salas que los apoyan".

Live Nation hace el agosto (musical) en España con 118 millones en ventas tras rescatarse a sí misma

El abogado contratado por los estados para seguir el proceso, Jeffrey Kessler, pidió el viernes pasado al jurado, en sus argumentos de cierre, "aplicar el sentido común" de los neoyorquinos, que "saben cuándo alguien les está vendiendo humo y cuándo está siendo sincero", recoge NBC.

El juez que presidió el juicio, Arun Subramanian, que en su momento criticó el acuerdo entre el DOJ y Live Nation, será el encargado de decidir el castigo para las empresas, que puede pasar por multas, compensaciones y cambios a su modelo de negocio. Según la demanda, Live Nation controla al menos el 80 % de la venta de entradas en las principales salas de conciertos; gestiona directamente a más de 400 artistas; y solo en EEUU controla más del 60% de las promociones de conciertos y posee o controla más del 60% de los grandes anfiteatros.

"Tras mucha reflexión, he decidido posponer mi concierto en Marsella, Francia, hasta nuevo aviso", escribió anoche West, ahora conocido como Ye, en su perfil de X.

El concierto iba a celebrarse en el Stade Vélodrome de Marsella como parte de su gira de este 2026, con la que ha regresado a la música tras un periodo de retiro.

"Sé que lleva tiempo comprender la sinceridad de mi compromiso de enmendar mis errores. Asumo toda la responsabilidad por lo que me corresponde, pero no quiero involucrar a mis fans en esto. Mis fans lo son todo para mí. ¡Espero con ansias los próximos conciertos! Nos vemos en la cima del mundo», añadió en la publicación.

El ministro del Interior de Francia, Laurent Nuñez, anunció este martes que estudiaba vías legales para prohibir el concierto de West debido a sus declaraciones antisemitas.

Y el alcalde de Marsella, Benoît Payan, había expresado a principios de marzo su rechazo a que el rapero hiciese de la ciudad mediterránea "una vitrina para quienes promueven el odio y el nazismo desinhibido".

Reino Unido prohíbe la entrada al rapero Kanye West por sus comentarios antisemitas

Esto ocurrió después de que al artista se le prohibiera la entrada al Reino Unido poco después de ser anunciado como cabeza de cartel de las tres noches del Wireless Festival en julio. Tras su contratación, varios patrocinadores importantes se retiraron del festival, y el evento fue cancelado posteriormente.

El artista de Heartless ha sido ampliamente condenado por su retórica antisemita en los últimos años. Además de su canción Heil Hitler, también utilizó un anuncio de la Super Bowl de 2025 para dirigir a los espectadores a su sitio web Yeezy, que ofrecía camisetas con esvásticas, recuerda The Hollywood Reporter.

West, admirador declarado del presidente Donald Trump, se disculpó posteriormente por sus declaraciones antisemitas en un anuncio publicado en el Wall Street Journal a principios de este año, pero no ha vuelto a abordar la controversia.

La película Michael, que llegará a los cines el próximo 22 de abril, revivirá la trayectoria de uno de los artistas más influyentes de la historia de la música, Michael Jackson. Con motivo de su estreno en España, Madrid acogerá una propuesta especial vinculada a este lanzamiento protagonizado por el sobrino real del artista, Jaafar Jackson.

Una instalación temporal se presentará como antesala del lanzamiento en cines del biopic Michael. La experiencia propone un recorrido por la trayectoria del artista, desde sus inicios en los Jackson 5 hasta su consolidación como una figura clave en la industria musical global.

El evento busca conectar al visitante con el imaginario que inspira la película, ofreciendo una aproximación al legado artístico de Michael Jackson antes de su llegada a las salas. Todo ello en un formato inmersivo que sitúa al espectador en el centro del relato, evocando tanto su evolución personal como su impacto cultural.

Según la información facilitada por Universal Pictures, el Espacio Movistar, ubicado en Gran Vía 28, acogerá esta actividad pensada para todos los públicos, del 17 al 26 de abril.

Sale a la luz un audio inédito de Michael Jackson: "Los niños se enamoran de mi personalidad"

La entrada no tendrá coste y contará con amplitud horaria: de lunes a sábado de 10:00 a 21:00 horas y domingos y festivos de 12:00 a 20:00 horas. Como excepción, el viernes 17 de abril la apertura se realizará a las 14:00 horas.

La película Michael, dirigida por Antoine Fuqua y escrita por John Logan, profundiza en la vida del artista más allá de los escenarios, mostrando tanto su talento precoz como su ambición creativa.

Protagonizada por Jaafar Jackson en su debut cinematográfico, junto a intérpretes como Nia Long, Laura Harrier o Miles Teller, la producción está respaldada por el equipo responsable de títulos como Bohemian Rhapsody. La experiencia en Madrid actúa como un complemento directo a la cinta, ofreciendo una oportunidad anticipada para adentrarse en la historia de uno de los iconos más influyentes de la música.