El actor malagueño Antonio Banderas ha recordado cómo fue su primer encuentro con el cineasta Pedro Almodóvar. En el programa Late Xperience, disponible en la plataforma de streaming Movistar Plus+, el protagonista de Dolor y gloria relató una anécdota que comenzó con dudas sobre el futuro del director, y terminó marcando el inicio de una colaboración decisiva.

Según explicó Banderas, antes de conocer a Almodóvar trabajaba en el Centro Dramático Nacional, cuando apareció “un chico que llevaba un maletín de plástico rojo”, un detalle que le llamó especialmente la atención. Tras escucharle hablar y contar historias, los compañeros del actor reaccionaron con escepticismo: “Me dijeron: es un director que ha hecho una película y no va a hacer más”.

Banderas recuerda esa escena con ironía, subrayando la falta de previsión sobre el futuro del cineasta: “¿Ves cómo no se puede hablar demasiado? Los profetas en España… están por todos lados”. Pocos días después, la historia dio un giro inesperado. El propio Almodóvar acudió al teatro junto a Cecilia Roth para ver el espectáculo y, tras la función, subieron al camerino.

Allí se produjo la propuesta que marcaría el inicio de su relación profesional: “Me dice, ¿quieres hacer una película?”. El actor reconoció que en aquel momento no tenía experiencia en el cine y dudó: “Yo no he hecho nunca cine, yo no sé. Sí, supongo que sí”.

La oportunidad se materializó en Laberinto de pasiones, su primera película, que supuso el comienzo de una colaboración clave en la historia del cine español. El testimonio de Banderas no solo recupera una anécdota significativa, sino que también evidencia cómo aquel encuentro casual terminó siendo decisivo en la trayectoria de ambos.

Una de las franquicias más reconocibles del cine de ciencia ficción y acción con zombis ya puede verse completa en la plataforma de streaming Disney+. La reciente incorporación al catálogo de cinco de las seis películas que conforman la saga, ofrece una oportunidad perfecta para revisitar su historia, sus personajes y su evolución durante estos días de Semana Santa.

La franquicia Resident Evil, basada en los videojuegos de Capcom, han sido claves en la evolución del género desde comienzos del nuevo milenio. La primera película, estrenada en 2002 y dirigida por Paul W. S. Anderson, introdujo a los espectadores en un universo dominado por la Corporación Umbrella, el virus T y un brote que desata el caos en una instalación subterránea conocida como la Colmena.

La historia arranca con Alice (Milla Jovovich), una protagonista que despierta sin memoria en una mansión aparentemente abandonada, aunque pronto se ve envuelta en una misión junto a un grupo de comandos. Su objetivo es contener una infección letal que ha convertido a los trabajadores del complejo en criaturas violentas.

A partir de ahí, la película combina acción, terror y elementos propios del videojuego original, incorporando referencias a Resident Evil y Resident Evil 2, así como criaturas mutantes como los Lickers y sistemas de defensa como la inteligencia artificial conocida como la Reina Roja.

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La película logró un notable éxito en taquilla, superando los 100 millones de dólares a nivel mundial frente a un presupuesto de 33 millones. Ese rendimiento impulsó una saga que continuó con cinco secuelas, Apocalipsis, Extinción, Ultratumba, Venganza y Capítulo final (el único que no consta en la plataforma), creando una narrativa propia que se aleja parcialmente del material original pero mantiene su esencia: supervivencia, conspiraciones corporativas y un mundo al borde del colapso.

Milla Jovovich en 'Resident Evil'. (IMDb)

Con su llegada casi al completo en Disney+, la saga se presenta como una opción ideal para quienes buscan una maratón de ciencia ficción con acción constante y una protagonista icónica.

Un clásico del cine de animación musical, perfecto para ver en familia en Semana Santa, trata parte de la historia bíblica a través de grandes voces y una de las canciones más recordadas del cine, interpretada por Whitney Houston junto a Mariah Carey. Esta película animada sigue siendo una referencia dentro del cine familiar por su ambición narrativa y su potente banda sonora.

Se trata de El príncipe de Egipto, una producción de DreamWorks estrenada en 1998, que adapta el relato del Éxodo y la vida de Moisés, desde su infancia como príncipe hasta su destino como líder del pueblo hebreo.

Dirigida por Brenda Chapman, Steve Hickner y Simon Wells, la cinta supuso un hito al ser el primer largometraje animado tradicional del estudio, realizado íntegramente en sus instalaciones tras la fundación de la compañía por Jeffrey Katzenberg, Steven Spielberg y David Geffen.

La película destaca por su cuidada animación, que combina técnicas tradicionales con efectos digitales, y por un reparto de voces de primer nivel en su versión original, con nombres como Val Kilmer, Ralph Fiennes, Sandra Bullock o Michelle Pfeiffer.

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A ello se suma la música de Hans Zimmer y las canciones de Stephen Schwartz, elementos clave para entender su impacto. Entre ellas sobresale When you believe, cuya versión pop interpretada por Whitney Houston y Mariah Carey logró un gran éxito comercial y ganó el Oscar a mejor canción original en la 71ª edición de los premios de la Academia.

Más allá de su éxito en taquilla, donde superó los 218 millones de dólares en todo el mundo, la película fue bien recibida por la crítica, que elogió especialmente su apartado visual, la banda sonora y el tratamiento de una historia compleja dentro del cine de animación. Además, la producción contó con el asesoramiento de expertos religiosos para garantizar el respeto al relato original.

Fotograma de 'El príncipe de Egipto'. (DreamWorks Animation)

Con el paso del tiempo, El príncipe de Egipto se ha consolidado como una de las mejores películas animadas fuera del ámbito Disney, gran estudio competidor de la época, manteniendo la vigencia de la leyenda como opción ideal para disfrutar en familia durante fechas como la Semana Santa. En streaming, la película está disponible en Movistar Plus+ y SkyShowtime.

La oferta de películas esta Semana Santa se presenta como una de las más variadas de los últimos meses, con estrenos en cine y plataformas de streaming que reúnen ciencia ficción, drama, comedia y thriller, entre otros géneros. Entre los títulos a no perder de vista, destacan obras que de gran emoción, relatos íntimos y para todos los gustos.

Desde la comedia o el drama íntimo hasta la odisea en clave de ciencia ficción, los días libres en Semana Santa pueden plantearse como el momento oportuno para ponerse al día en el ámbito cultural. Recomendamos, a continuación, dos producciones para ver en la pantalla grande, así como tres títulos disponibles en diferentes plataformas de vídeo bajo demanda (VOD).

Se posiciona ya como uno de los grandes fenómenos de ciencia ficción de la temporada. Dirigida por Phil Lord y Christopher Miller, sigue a un profesor (Ryan Gosling) que despierta en una nave espacial sin recordar quién es, mientras trata de resolver una amenaza que pone en peligro al Sol.

A medida que recupera la memoria, la misión adquiere una dimensión más compleja, donde la ciencia y una inesperada alianza se convierten en elementos clave. Se puede ver en cines.

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La última película de Pedro Almodóvar apuesta por un enfoque introspectivo. La historia sigue a Elsa (Bárbara Lennie), una directora de publicidad que, tras la muerte de su madre, se refugia en el trabajo para evitar afrontar el duelo.

Sin embargo, una crisis la obliga a detenerse y replantearse su situación, iniciando un viaje a Lanzarote que marcará un punto de inflexión emocional. Disponible en cartelera.

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La nueva cinta de Cesc Gay traslada a la pantalla una reunión familiar, protagonizada por Carmen Machi, Javier Cámara, Javier Gutiérrez y Alexandra Jiménez, que gira en torno al futuro de un padre de edad avanzada.

Lo que comienza como una conversación aparentemente tranquila deriva en tensiones entre los hermanos, evidenciando las dificultades de tomar decisiones sobre el cuidado de un ser querido. La película, disponible en Netflix, mezcla comedia y drama con un tono cercano.

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La producción estadounidense introduce un thriller ambientado en un futuro próximo, donde un detective (Chris Pratt) dispone de solo noventa minutos para demostrar que no ha cometido el asesinato del que se le acusa.

La particularidad es que su destino está en manos de una inteligencia artificial avanzada, a la que él mismo ayudó en el pasado. La cuenta atrás añade intensidad a una trama marcada por la tecnología y el suspense. Se puede ver en Prime Video.

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Titulada en su versión original como Twinless, esta buddy movie propone una historia íntima centrada en el duelo. Tras la muerte de su hermano gemelo, el protagonista (Dylan O'Brien) busca apoyo en un grupo donde conoce a alguien con quien establece una relación inesperada (James Sweeney, director y guionista del filme).

Entre la comedia negra y el drama, la película indie, ganadora de dos premios en el Festival de Sundance y disponible en Movistar Plus+, aborda la pérdida desde una perspectiva emocional que se apoya en los vínculos humanos, pero también en el engaño detrás de ellos.

Una película española disponible en la plataforma de streaming Netflix, premiada en los Goya y centrada en un proceso de selección extremo, se plantea como una de las mejores opciones cinematográficas de la plataforma de vídeo bajo demanda (VOD) por su inquietante retrato del mundo laboral. Este thriller psicológico explora hasta dónde puede llegar la ambición en una entrevista de trabajo.

Se trata de El método, dirigida por Marcelo Piñeyro y basada en la obra teatral El método Grönholm de Jordi Galcerán. Estrenada en 2005, esta coproducción entre Argentina y España reúne a un reparto encabezado por Eduardo Noriega y Najwa Nimri, y construye un relato claustrofóbico en el que varios candidatos compiten por un único puesto.

Lo que comienza como una entrevista convencional pronto se transforma en una serie de pruebas grupales eliminatorias, donde la argumentación, la presión psicológica y la ética personal se convierten en las verdaderas herramientas de evaluación.

La trama se desarrolla en una oficina aparentemente normal, donde los aspirantes, tras completar formularios repetidos, descubren que están encerrados. A partir de ese momento, las dinámicas de grupo marcan el ritmo del proceso. Las pruebas incluyen desde la identificación de un posible infiltrado hasta decisiones morales complejas, como elegir quién merece sobrevivir en un hipotético refugio.

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Cada ejercicio está diseñado para medir la capacidad de liderazgo, la resistencia al estrés y la coherencia entre valores y acciones. La tensión crece a medida que los participantes se enfrentan entre sí, revelando sus límites y contradicciones.

En el filme, el contexto social, con protestas y un clima de inestabilidad, refuerza la visión más encarnizada del mercado laboral. Su impacto fue reconocido en los Goya de 2006, donde obtuvo dos premios, el de Mejor guion adaptado y el de Mejor actor de reparto para Carmelo Gómez, además de otros galardones en festivales y asociaciones.

Fotograma de 'El método'. (IMDb)

Con una puesta en escena minimalista y un reparto con figuras de la talla de Eduard Fernández, Natalia Verbeke, Ernesto Alterio, Pablo Echarri y Adriana Ozores, El método sigue siendo una referencia cuando se habla de películas sobre el mundo corporativo y las dinámicas de grupo llevadas al límite.

De Santis es un presidente ya de salida: en seis meses abandonará el Palazzo del Quirinale. Autor de uno de los manuales de derecho más complejos -el K3, lo llamaban los alumnos, puesto que es imposible de escalar-, De Santis debe firmar -o no- una última ley, la de la eutanasia, auspiciada por su hija y colaboradora Dorotea (Anna Ferzetti). La otra de sus tribulaciones pasa por descubrir quién fue el amante secreto de su mujer, recientemente fallecida, de la que sigue desesperadamente enamorado. Dos cuestiones que pasan por llegar a ese punto de discernimiento, a esa Grazia, que iluminará su camino.

De Santis, que llegó a la presidencia batiendo a un político extremista, también debe decidir si le concede el indulto a una mujer que mató a su marido maltratador -es una forma de eutanasia, de liberarlo de su enfermedad", alega ella, y a un profesor de instituto, muy querido por sus alumnos, que acabó con la vida de su mujer, enferma de alzhéimer, a la que aún seguía enviando cartas de amor.

¡Qué bien posa Servillo! ¡Qué bien mira, qué bien constriñe su frente pensante, qué bien fuma! A él le seguimos en sus paseos reflexivos por las estancias marmóreas del Quirinale, rodeado de colaboradores fieles, pero también de personajes ambiciosos que intentan manipularlo para conseguir esta o aquella prebenda. Su figura es diminuta entre el arte milenario y el mobiliario regio: un hombre empequeñece ante la grandeza del Derecho, de la ley, de la Civilización con mayúscula.

El presidente De Santis, aplaudido por su cámara. (Mubi)

El actor fetiche de Sorrentino, que ganó la Copa Volpi en el pasado Festival de Venecia por su interpretación de De Santis, encarna esta vez al servidor público, también con mayúsculas: discreto, reflexivo y comprometido. Tanto, que lo acusan de cobardía, por sus cavilaciones elongadas. Servillo, que ha interpretado al excesivo Berlusconi en Silvio (y los otros) (2018) y al manierista Andreotti en Il Divo (2008), se aleja esta vez de las representaciones mafiosas a las que acostumbra la política italiana.

Pictórica y barroca como un cuadro de Guido Reni, La Grazia es un film tan obsesivo como su protagonista, que vuelve a uno de los leitmotivs de Sorrentino: la idea del misterio, el éter del que nace todo lo bello y lo sagrado. Un tema que ya abordó Sorrentino, de una manera muy diferente, en The Young Pope (2016). También se agradece la ligereza de un director que, cuando parece que se va a dejar arrastrar por la pompa y la estetización videoclipera, no teme reírse de sí mismo y del boato: genial la secuencia de la recepción presidencial bajo la lluvia. Porque en toda esta fastuosidad hay mucho de absurdo.

Otro momento de 'La Grazia', de Paolo Sorrentino. (Mubi)

Siempre hay un detalle genial, una capa más, en cualquier composición de Sorrentino: ya sea ese guardia de palacio al fondo del pasillo, o ese secretario sonriente al que el director le regala un plano, aunque no abra la boca ni vayamos a verle nunca más. En ese tipo de recodos, Sorrentino se hace aún más grande. Porque, como buen mediterráneo verboso, la divagación no es sólo una cuestión de estilo, sino de impulso natural.

Estos últimos seis meses de legislatura le sirven también a De Santis para reflexionar sobre su labor y sobre su vida pasada, dedicada enteramente a la presidencia, sin apenas una conversación personal con sus hijos, sin amigos -más allá que la crítica de arte tan verborreica como guardiana de los secretos Coco Valori (Milvia Marigliano), colega desde el pupitre- y que promete dejarle suspendido en un gran vacío existencial. Qué feliz regreso el de Sorrentino a la sátira, a una sátira más reflexiva y madura, como su protagonista, con un puntito de melancolía pero que no pierde el talento de encontrar la humanidad en nuestras pequeñas -y grandes- contradicciones. Y todo a ritmo del musicote electrónico más de moda: no podrán sacarse de la cabeza el Surf Rider de Il est Vilaine.

Proyecto salvación apunta incluso más alto: resulta que todas las estrellas del universo se están contagiando de una especie de virus que va carcomiendo su luminosidad. Sin sol, nuestro planeta lo tiene complicado, y en unos años morirá la mitad de la población mundial y, al cabo, los millonarios en sus mansiones bunkerizadas. Sin embargo, hay una estrella lejanísima que no se ve afectada por esta enfermedad estelar y los mejores científicos piensan en viajar hasta ella para estudiar su inmunidad y, si es posible, trasponerla a nuestro sistema solar.

Este es el demencial argumento de Project Hail Mary, la novela de Andy Weir que ahora llega a los cines con un éxito esperanzador. El público quería historias así, demenciales, gloriosas, analfabetas. Andrew Weir es un escritor salido de Amazon que no tiene ni idea de escribir, pero al que se le ocurren historias interesantes. Su primera novela, El marciano (2011), dio lugar a la película del mismo título, dirigida por Ridley Scott, que recaudó 600 millones de dólares en todo el mundo y al final no era otra cosa que un tipo a solas en Marte cultivando patatas. Project Hail Mary se ha traducido como Proyecto salvación porque "hail Mary" es una locución inglesa que significa, además de "Ave María", "último recurso" o "apuesta desesperada", y no sabemos suficiente inglés como para ir a ver películas cuyo título no entendemos. Con todo y las naves espaciales, Proyecto Salvación es muy similar a El Marciano: básicamente tenemos a un señor perdido en el espacio que busca a alguien con quien cruzar unas palabras.

La película supone una vuelta al cine familiar como Dios manda, un cine donde las familias salen de las salas más unidas que al entrar

Del argumento de la película no debemos contar nada más, porque su gran baza es esa segunda historia inaudita que encontraremos pasada la primera media hora de metraje y que conecta la cinta con el cine más humanista y piadoso de Steven Spielberg. Hablamos de Encuentros en la tercera fase o de ET, filmes donde la vida alienígena se afronta desde el buen rollo y hay ternura y musiquita y un par de escenas para ponerse a llorar. Aquel Spielberg algodonoso ha servido de inspiración para la serie Stranger Things y para algunas películas como ¡Nop!, pero es en Proyecto Salvación donde se reivindica a lo grande y pensando en los niños. La película de Phil Lord y Chris Miller supone una vuelta al cine familiar como Dios manda, que es un cine donde las familias salen de las salas más unidas que cuando entraron, y no sólo por las palomitas.

Ryan Gosling da vida al científico despeinado que viaja al final de la galaxia para salvarnos a todos. El actor muestra de nuevo su extraordinaria capacidad para la comedia, incluso para la comedia física (slapstick), algo que no podríamos sospechar después de verle machacar cabezas con un martillo en Drive o aburrirse de trascendencia en Blade Runner 2049. Como pareja de baile le han puesto a Sandra Hüller, que viene de hacer todo tipo de cine que no da dinero, que no hace reír, pero que gana muchos premios, desde Anatomía de una caída a La zona de interés. La actriz alemana es la señorita Rottenmeier de Proyecto Salvación, y yo creo que ni le han dicho que la cinta era una comedia, motivo por el cual ella actúa con la misma seriedad que si se tratara de una película de nazis. Sin duda esto favorece que sea uno de los personajes más divertidos de la aventura.

'Proyecto Salvación' es la película más graciosa que recuerdo haber visto ambientada a más de cien kilómetros de altura sobre el nivel del mar

Amén de risas y ternura, Proyecto Salvación cuenta con la maravillosa música de Daniel Pemberton, muy rompedora si tenemos en cuenta que desde la odisea de Kubrick el espacio sideral parecía abocado a la música de Mozart, y de ahí para arriba.

Proyecto Salvación recuerda a Interstellar (2014, Christopher Nolan) en que no se entiende nada de lo que pasa a nivel científico y técnico, pero da totalmente igual si los personajes sí lo entienden. Un argumento parecido lo encontramos en Sunshine (2007, Danny Boyle) y hasta hay numerosas escenas vistas decenas de veces en todas esas películas intergalácticas donde alguien tiene que salir de la nave para arreglar una antena o mover un panel a riesgo de desengancharse y vagar por el espacio eternamente (Gravity, Passengers, etc.)

Sin embargo, Proyecto Salvación es la película más graciosa que recuerdo haber visto ambientada a más de cien kilómetros de altura sobre el nivel del mar. Sus creadores parecen habérselo pasado tan bien haciéndola que no querían que se acabase, y alargan su final hasta dejar toda la historia minuciosamente resuelta.

Las películas ambientadas en la Antigua Grecia, con batallas épicas, héroes legendarios y enfrentamientos entre griegos y persas, encontraron su gran fenómeno de taquilla en la película 300, de 2006. Ahora, la plataforma de streaming Prime Video incorpora a su catálogo una propuesta que amplía ese universo cinematográfico con más acción naval, intrigas y personajes históricos reinterpretados.

Se trata de 300: El origen de un imperio, una precuela y secuela a la vez de la cinta protagonizada por Gerard Butler, estrenada en 2014 y dirigida por Noam Murro a partir de un guion de Zack Snyder y Kurt Johnstad. La película se inspira en el cómic Xerxes de Frank Miller, y reconstruye, con un estilo visual muy marcado, episodios clave como las batallas de Artemisio y Salamina dentro de las guerras médicas entre Grecia y Persia.

La historia se articula alrededor de Temístocles (Sullivan Stapleton), líder ateniense que intenta frenar el avance del imperio persa tras la muerte del rey Darío, un hecho que desencadena la transformación de Jerjes en una figura casi divina y el inicio de una nueva ofensiva contra Grecia.

Paralelamente, la figura de Artemisia, comandante naval persa de origen griego, aporta uno de los conflictos más destacados del relato. Su pasado y su ambición la convierten en una antagonista compleja, interpretada por Eva Green, cuya actuación fue uno de los aspectos más valorados por la crítica. Lena Headey y Rodrigo Santoro reprendieron sus papeles originales.

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A nivel cinematográfico, la película mantiene la estética estilizada y la violencia coreografiada que caracterizaron a la primera entrega, con especial protagonismo de las batallas marítimas. Aunque recibió críticas mixtas por su narrativa y ciertas licencias históricas, logró un notable éxito comercial al superar los 337 millones de dólares en taquilla mundial frente a un presupuesto de 110 millones.

Sullivan Stapleton, protagonista de '300: La caída de un imperio'. (Warner Bros./Legendary Pictures)

Con su llegada a Prime Video, esta producción se posiciona como una opción destacada para quienes busquen una historia épica, acción histórica y una reinterpretación visual de los conflictos de la Antigua Grecia.

Podría parecer Nueva Zelanda, pero queda mucho más cerca. El Parque Natural de Somiedo, en Asturias, se ha convertido en uno de los escenarios de cine más sorprendentes tras acoger el rodaje de la pendiente de estreno Los Juegos del Hambre: Amanecer de la cosecha. Sus paisajes salvajes, bosques y lagos han servido como localización clave para recrear el universo boscoso de la saga.

El municipio asturiano ha captado la atención del equipo de Hollywood, que encontró en este enclave un entorno natural capaz de dar vida a “La Arena” y otros momentos icónicos de la historia. El Hayedo de Montegrande, en Teverga, fue uno de los espacios principales, donde se rodaron cerca de veinte minutos de metraje. Este bosque, con hayas centenarias, abedules y cascadas como El Xiblu, encaja con la descripción literaria de la obra de Suzanne Collins, precuela de la trilogía Los juegos del hambre.

El rodaje también se trasladó al Valle de Lago, uno de los paisajes más representativos del parque natural asturiano. Allí se instaló la cornucopia, elemento central de los juegos, en una pradera visible en el tráiler oficial. Este valle glaciar, rodeado de montañas, ríos y cabañas tradicionales, aporta una imagen épica que refuerza la dimensión visual de la película.

A este entorno se suman los Lagos de Saliencia (Lago de la Cueva, Lago Cerveriz y Lago Negro-Calabazosa), declarados Monumento Natural, donde se grabaron algunas de las últimas escenas en Asturias, aprovechando su carácter agreste y su belleza extrema.

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Más allá de Somiedo, la producción amplió localizaciones hasta el cercano Parque Natural de Babia y Luna, en León, donde el Pinar del Monte Carcedo aportó un contraste diferente con su bosque de pinos centenarios y atmósfera silenciosa. Durante el rodaje, miembros del equipo se alojaron en Villa Caunedo, en pleno parque, buscando tranquilidad tras largas jornadas de trabajo.

Este conjunto de escenarios no solo ha reforzado la presencia de Asturias en el mapa cinematográfico internacional, sino que también permite a los visitantes recorrer los mismos lugares que aparecerán en la película, que se estrenará el 20 de noviembre en Estados Unidos, consolidando a Somiedo como uno de los destinos naturales más espectaculares vinculados al cine reciente.

Una película de culto sobre mods, motos, drogas y rock ambientada en el Londres de los años 60 acaba de llegar a la plataforma de streaming Movistar Plus+. Su retrato generacional, marcado por la rebeldía juvenil, el consumo de anfetaminas y los enfrentamientos callejeros, sigue siendo una obra de culto.

Se trata de Quadrophenia, el drama británico de 1979 dirigido por Franc Roddam y basado en la ópera rock de The Who. Lejos de ser un musical convencional, la película construye una historia cruda y realista en torno a Jimmy Cooper, un joven desencantado que canaliza su frustración entre fiestas, scooters y peleas con los llamados rockers, en plena efervescencia de la cultura mod.

Ambientada en 1964, la cinta sigue el descenso emocional de su protagonista, interpretado por Phil Daniels, atrapado en un trabajo sin futuro y una vida familiar que no le satisface. A través de su grupo de amigos, las escapadas a Brighton y el consumo de Dexamyl, el relato dibuja una juventud al límite que busca identidad en medio del caos.

La presencia de Sting en el papel de Ace Face, una figura admirada dentro del movimiento mod, añade un componente icónico a una historia marcada por la desilusión y el desencanto. Completan el reparto grandes nombres de la interpretación británica, como Timothy Spall, Mark Wingett o Phil Davis.

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La crítica especializada valoró la película como un retrato auténtico y atemporal de la adolescencia. Según recogía The New York Times en su estreno, se trata de una obra “áspera y a veces muy hermosa”, mientras que otras reseñas destacaron su capacidad para capturar la intensidad emocional de una generación.

Fotograma de 'Quadrophenia'. (Movistar Plus)

Con una valoración del 100 % en el portal Rotten Tomatoes, y su inclusión en listas como las mejores películas de la historia, Quadrophenia se mantiene como una referencia del cine británico que explora la identidad juvenil con una energía desgarradora.

Una película italiana disponible en la plataforma de vídeo bajo demanda (VOD) Netflix, se ha consolidado como uno de los retratos más íntimos del cine europeo reciente. Dirigida por el aclamado Paolo Sorrentino, es una especie de autobiografía, entre el drama rural y los recuerdos del Nápoles de los años 80.

Se trata de Fue la mano de Dios, el filme con el que el cineasta napolitano firmó una de sus obras más personales. Estrenada en el Festival de Venecia en 2021, donde obtuvo el Gran Premio del Jurado, la película también logró cuatro premios David di Donatello, los llamados “Goya italianos”, incluidos Mejor película y Mejor dirección, además de una nominación al Oscar a Mejor película internacional.

La historia sigue a Fabietto Schisa (Filippo Scotti), un adolescente que crece en una familia marcada por la cercanía, el humor y también por tensiones ocultas. En paralelo, la llegada de Diego Maradona al Nápoles actúa como símbolo de esperanza colectiva en la ciudad.

Sin embargo, la vida del protagonista da un giro trágico tras la muerte de sus padres, un suceso que redefine su mirada sobre el mundo y su futuro. Ese equilibrio entre lo cotidiano y lo devastador articula un relato que, según la propia producción, se inspira directamente en la juventud de Sorrentino. Completa el reparto Toni Servillo, habitual en el cine del director italiano.

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Lejos de ser una película sobre fútbol, la obra utiliza la figura de Maradona como detonante emocional y casi mítico. La crítica internacional ha destacado su carácter “extravagantemente personal”, en palabras de The Guardian, y su capacidad para mezclar lo real y lo simbólico.

Toni Servillo y Filippo Scotti. (Netflix/Gianni Fiorito)

Con una puesta en escena cuidada y una narración que transita entre la memoria y la ficción, Sorrentino construye un homenaje a su ciudad, a su familia y al propio cine, consolidando una propuesta que ha sido valorada de forma positiva por la crítica especializada y reconocida en los principales certámenes internacionales.

La película familiar de aventuras disponible en la plataforma de streaming HBO Max que ha conquistado tanto a la crítica como al público destaca por sus grandes dosis de humor, emoción y un mensaje cargado de valores. Con un protagonista entrañable y una historia accesible para todas las edades, se ha convertido en una opción imprescindible para ver en familia.

Se trata de Paddington, una producción de 2014 dirigida por Paul King y basada en los populares relatos británicos de Michael Bond, que narra la llegada de un oso procedente de Perú a Londres. La cinta, producida por David Heyman, responsable de la saga Harry Potter, combina acción real y animación para seguir el viaje de este personaje que, tras perder a su familia, busca un nuevo hogar en la capital británica, donde es acogido por los Brown.

La historia mantiene los elementos esenciales de los libros, como su afición por la mermelada o su carácter ingenuo, pero introduce un enfoque más contemporáneo. A través de situaciones cotidianas, desde un baño desbordado hasta caóticos viajes en metro, la película construye un relato ágil y emotivo.

Al mismo tiempo, incorpora un conflicto central con la figura de una taxidermista interpretada por Nicole Kidman, que añade tensión a una trama pensada para todos los públicos. El medio Time Out dijo de ella que "es encantadoramente sencilla. Pero también ofrece un giro ingenioso y moderno de las historias londinenses de Michael Bond, sin resultar cínica”.

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Más allá de su tono ligero, Paddington funciona también como una reflexión sobre la llegada de un extranjero a una gran ciudad. El filme aborda temas como la adaptación, la desconfianza inicial o la integración en una nueva familia, sin perder nunca su carácter optimista.

La interpretación vocal de Ben Whishaw y el equilibrio entre comedia y sentimentalismo han sido claves para su reconocimiento, reflejado en sus buenas críticas y nominaciones a premios como los BAFTA.

Fotograma de 'Paddington'. (Studio Canal)

La saga continúa con los títulos Paddington 2 (2017, disponible en Netflix, HBO Max y Movistar Plus+), y Paddington: Aventura en la selva, con Antonio Banderas (2024 disponible únicamente en Movistar Plus+).

Una de las piezas más icónicas de Star Wars ha vuelto a situar a la saga fílmica en el centro del mercado del coleccionismo. La cabeza original de C-3PO utilizada en El Imperio contraataca se ha vendido por más de un millón de dólares en una subasta de memorabilia cinematográfica, superando todas las previsiones iniciales.

El objeto, procedente de la película estrenada en 1980, alcanzó un precio final de 1.058.400 dólares en la subasta organizada por Propstore, según ha recogido The Hollywood Reporter. Se trata, además, de una pieza especialmente singular, ya que se considera la única cabeza original del droide disponible en el mercado de coleccionistas, lo que explica el interés generado entre los compradores.

El artículo fue adquirido a la familia de un miembro del equipo de rodaje de El Imperio contraataca. Según la descripción oficial de la pieza, la cabeza presenta un acabado envejecido intencionadamente, diseñado para reflejar el aspecto desgastado del personaje en la película, muy alejado del brillo dorado que lucía en Una nueva esperanza.

A pesar de que parte del tratamiento original ha desaparecido con el tiempo, el objeto conserva gran parte de su acabado metálico original, con detalles visibles como el desgaste en la mejilla derecha que deja entrever un tono plateado.

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La subasta, que reúne objetos de franquicias como Star Wars, Alien, Batman o El señor de los anillos, ha alcanzado cifras destacadas, con un total de 6,5 millones de dólares en ventas. Tal y como señalan las fuentes, la cabeza de C-3PO ha sido el lote más valioso hasta el momento, superando incluso a piezas de películas como Tiburón, Piratas del Caribe o Top Gun.

Este tipo de resultados confirma la vigencia del universo creado por George Lucas en el mercado del coleccionismo, donde objetos únicos vinculados al rodaje siguen alcanzando cifras millonarias y despertando un interés constante entre los aficionados y expertos.

Fue también un hombre bueno, incapacitado para la traición, que vivió la mayor parte de su vida apartado voluntariamente de casi cualquier vínculo casual y relación social. Como mi madre, le tenía miedo al mundo. Ese miedo me lo contagiaron ambos, pero a cambio me dieron una infancia muy feliz y una vida muy libre. Y como tantos varones de su generación, él tampoco sabía exteriorizar el cariño: utilizaba subterfugios enunciados en códigos soterrados que mi hermano y yo captábamos a la perfección, como su humor socarrón y salvaje (cierta mañana no se le ocurrió mejor broma que comprar una botella de vino con el retrato de Franco y plantársela a su padre ya anciano en plena comida familiar, junto al plato y a diez centímetros de los morros, causándole casi una apoplejía: era su manera de decirle te quiero… pero eso solo lo podemos entender los Migoya); o, excepcionalmente, conseguía expresar de modo intrínseco su instinto paternal durante las sesiones de cine que desde que fui guaje compartíamos frente al televisor. Se establecía entonces entre él y yo una comunicación a menudo muda, pero muy elocuente y tierna, de amor cómplice por ciertas historias de coraje y supervivencia del individuo excluido.

Desde esas nefastas fechas en que la enfermedad socavó su personalidad y lo dejó hecho un bebé, he disfrutado muchas películas cuyo visionado me hubiera gustado compartir con él como antaño, en el sofá de casa. Destaco aquí las más señaladas, esperando disculpen este arranque de egocentrismo doméstico y la llantina inherente: me lo pide el corazón. Estos son los títulos que me hubiera encantado ver en compañía de mi padre cuando aún era Marce.

1. El protector (The Marksman, 2021) de Robert Lorenz

A Marce le gustaban los actores duros y guapos. Su favorito era Robert Taylor, y en su vanidad juvenil había aspirado a imitar tamaño porte y belleza, aunque su facha nervuda y su fisonomía abrupta lo hicieran más parecido a un Vittorio Gassman rural. De entre los "actuales", prácticamente el único con el que comulgaba era con Liam Neeson, por su presencia viril y sensible al mismo tiempo. El protector no es una gran película (ninguna de Lorenz lo es, por mucho que haya contado con Clint Eastwood como mentor), pero contiene algunas muescas veraces que sé hubieran conmovido a papá, pepitas de sinceridad insertas en la historia: un tópico relato sobre un don nadie gringo que acaba defendiendo la vida de un niño mexicano introducido ilegalmente en los EE UU. Neeson actúa con naturalidad y ese perfil bajo que complacía a Marce —no soportaba la prepotencia estadounidense y, por esa razón, detestaba a John Wayne, por más que veneráramos Río Bravo—, regalando de paso algunos toques extraordinarios: cuando la "hija" de Neeson carga con él hasta su casa y lo acuesta borracho y fatigado en un sofá, ves a un hombre viejo y rendido. Esos matices sembrados de verdad le hubieran emocionado.

2. Cliff Walkers (Xuan ya shi shang, 2021) de Zhang Yimou

Marce, hijo de un socialista íntegro, ya pubercito cometió el error de ver pasar a unos falangistas desfilando por el pueblo y decirle a Terio que él también quería hacerse de la Falange para tener un uniforme tan bonito. El bofetón subsiguiente lo tumbó o así nos lo contaba partiéndose de risa: "¡Toma falanges!", solo le faltó añadir a mi abuelo. Quizá como respuesta al sopapo, papá se hizo comunista; su idealización de la dictadura del proletariado fue su manera torera de articular su rechazo connatural a la franquista. Ya en democracia, optó por reírse de cualquier autoritarismo: era demasiado contreras para militar en ningún bando, especialmente si ese bando ofrecía posibilidades de ganar. En el fondo, Marce se reía de todas las ideologías, pues intuía que todas se construían sobre exclusión, abusos y crímenes. Creo que no creía en nada, quizá solamente en que la gente buena siempre va a ser marioneta de los tiranos. Pero por sus valores sentimentales, hubiera gozado de lo lindo con esta obra maestra de Zhang Yimou. El director chino es un genio de la puesta en escena y en Cliff Walkers despliega una magia visual y lírica deslumbrantes. Esta emotiva crónica de la misión suicida de varios agentes comunistas infiltrados en la China de 1930 contiene tantos momentos de fatalismo descorazonador, mientras a la vez funciona como magnífica epopeya del mejor Hollywood del signo contrario, que lo hubiera impresionado. Yo mataría por haber visto esta película junto a mi viejo.

3. Drácula (Dracula, 2025) de Luc Besson

Lo que ha hecho Besson en este filme es increíble: como medio bastardo, estoy habituado a esas épocas lejanas en que la industria de los cómics, cuando eran populares y no eran considerados cultura (oh, días gloriosos en que pertenecían al pueblo), lanzaba títulos y colecciones basados descaradamente en libros o películas exitosos cuyas directrices de contenido o visuales explotaba sin pudor, por lo que nunca me ha echado para atrás esa raíz adulterada. Y Marce compartía esa ausencia de complejos. Besson ha creado un "tebeo" de Drácula basándose en la majestuosa versión de Coppola. Su capacidad para manufacturar imágenes impactantes a cada minuto resulta asombrosa (esa torre de monjas de clausura desatadas en su pasión sexual bajo la figura coronada del seductor chupasangres) y, encima, mejora algunas cuestiones del guion coppoliano, empresa fácil de lograr frente al pésimo libreto que James V. Hart suministró al director de Apocalypse Now (el infausto Hart también firmó el ¿guion? de ese descalabro de Spielberg titulado Hook). Caleb Landry Jones supera en convicción a Gary Oldman en su primera encarnación como vampiro anciano con siglos a sus espaldas y la historia de amor sí es una historia de amor verdadera. ¡Qué bien lo hubiéramos pasado padre e hijo con este festival de no muertos amándose a lágrima viva!

4. No toquéis la pasta (Touchez pas au grisbi, 1954) de Jacques Becker

Marce gustaba del triunvirato actoral francés por antonomasia del polar: Gabin, Delon y Ventura. Uno de los mejores ratos vividos codo con codo frente a la tele lo constituyeron las varias emisiones catódicas de El clan de los sicilianos. Este No toquéis la pasta nunca lo vimos, aunque sí era costumbre que "echaran" el otro título mítico (para mí inferior) de Becker, La evasión. Cuando tuve oportunidad de plantarme frente a Touchez pas au grisbi me quedé perplejo ante su excelencia. Hay cine de quilates en ese celuloide, incluso hitos seminales que anticipan las colosales hechuras de El padrino. Jean Gabin está inmenso, para hacerle un monumento: por su serenidad y sus gestos estoicamente trágicos no era de extrañar que Marce encontrara en él un amigo.

5. Una dama y un bribón (Le bon année, 1973) de Claude Lelouch

Marce sentía debilidad por Lino Ventura. Yo de niño no le pillaba la gracia, porque se alejaba radicalmente del estereotipo de galán esbelto y conquistador (como también me parecía ligeramente ridículo como ideal de belleza masculina un Rodolfo Valentino, que ahora encuentro fascinante: supongo que en eso consiste envejecer). Imagino que ese aspecto de tosco hombre de campo era precisamente lo que motivaba la corriente de empatía en Marce hacia Ventura. Luego he averiguado, traduciendo las cartas privadas del escritor Charles Williams, que el actor italofrancés desconfiaba del esnobismo intelectual, como mi viejo y yo. Ojalá Una dama y un bribón nos hubiera sorprendido juntos frente a la pequeña pantalla: Lelouch era por entonces un cineasta despreciado por la crítica española, que lo tildaba de blando y sensiblero. Bueno, esta cinta es impresionante, seguramente la mejor que he visto del trillado subgénero "último robo y me retiro (ja ja ja, no te lo crees ni tú)". Comenzar los créditos iniciales con la última secuencia de su Un hombre y una mujer solo para descubrir que la están proyectando a un grupo de presos en la cárcel donde arranca la trama es un golpe de genio metalingüístico por parte de Lelouch. Y la emoción que permea tanto el atraco como el romance entrelazados en su metraje da como resultado un filme delicioso. La melancolía que transpira hubiera enamorado a Marce.

6. La posesión de Joel Delaney (The Possession of Joel Delaney, 1972) de Waris Hussein

Las películas de terror eran otro plato fuerte de nuestros visionados en común. Este título poco conocido con Shirley McLaine y Perry King me teletransportó a mi niñez, cuando seguíamos las desventuras del lozano King en la miniserie Capitanes y reyes. La trama sobre una neoyorquina convencida de que su hermano ha sido poseído por un asesino en serie atesora toneladas de atmósfera y proporciona momentos genuinamente escalofriantes. Hubiera sido perfecta para un Sábado Cine en familia.

7. El Vourdalak (Le Vourdalak, 2023) de Adrien Beau y La hermanastra fea (Den stygge stesosteren, 2025) de Emilie Blichfeldt

Por casualidad, han coincidido en el último lustro dos grandes películas de horror que huyen de los tics mainstream para rescatar las texturas y meandros narrativos de un creador de clásicos eróticos, el polaco Walerian Borowczyk. Aunque como directora general de cinematografía desarboló el cine popular español, Pilar Miró tuvo el acierto de inventarse para TVE el espacio para adultos Cine de Medianoche, que Marce me dejaba (solo a veces) presenciar catorceañero en su compañía, excepto alguna velada que me gritó que me largara a dormir, como durante los insertos porno del Calígula de Brass. Enmarcadas en ese formato contemplamos Deliverance o El diputado, así como sufrimos la prohibición de Interior de un convento, del mentado polaco (permitan que me ahorre volver a deletrear su apellido); pero sí logramos, al poco tiempo, deleitarnos con su cautivante La bestia. Precisamente con ese cine transgresor de cromatismos difuminados, crudeza naturalista y recreaciones cortesanas tienen mucho que ver estos dos largos notables, El Vourdalak y La hermanastra fea, que abrazan las formas walerianas con una fuerza estética arrolladora. Cine antipuritano con sabor setentero de Europa del Este, preñado de fantasías troqueladas, efectos artesanales y algún pene erecto de propina que nos hubiera hecho sentir que no todo está perdido en el marasmo de productos diseñados por IA.

8. The Woman (2011) de Lucky McKee

Para rematar el lote terrorífico, nada mejor que este portento de película durísima que retrata de manera insólitamente despojada lo peor de la naturaleza y temperamento masculinos. Lucky McKee es un director único y valiosísimo que aquí, en complicidad con el escritor Jack Ketchum, mezcló el cine de sangre e higadillos con una reflexión misándrica absolutamente pertinente, mucho más incisiva que la aportada por Alex Garland en su oportunista y tramposa Men. Ya admiraba a McKee por May y otros prodigios de creatividad como Todas las cheerleaders muertas, fraguada en colaboración con el también infravalorado y aún más incomprendido realizador Chris Silvertson (responsable de la joya del fantanoir Sé quién me mató), pero creo que en The Woman lleva más lejos que nunca la audacia de su cine, a la altura aturdidora y apabullante de un Perros de paja. Cine puro a fin de cuentas, contundente y ásperamente gráfico, que hubiera hecho las delicias de Marce precisamente por todo lo que revuelve en el interior del espectador. Mecachis, hubiéramos hablado horas de esta película.

9. Odio en las entrañas (The Molly Maguires, 1970) de Martin Ritt

Marce y yo ninguneábamos a Martin Ritt porque ni a él ni a mí nos convencía su cinta más emitida en España, la morosa Hombre. A ello se sumaba la poca estima que papá albergaba por Paul Newman, a quien juzgaba demasiado guapo. Marce era un poco machirulo en eso: recelaba de los guapos absolutos, como Newman o Robert Redford; los consideraba relamidos y niños bonitos, por más que con uno se reconcilió en su Casta invencible y con el otro en Las aventuras de Jeremías Johnson, dos peliculones que nos hicieron vibrar la sangre. Sin embargo, el destino no quiso que coincidiéramos ante este Odio en las entrañas que lo habría entusiasmado: Sean Connery y Richard Harris haciendo de mineros terroristas garantizan un plato de primera, horneado por una factura narrativa y visual sobresalientes. Y aliñado, para más inri, con arpegios de lira y del IRA. Cine clásico que Marce hubiera saboreado como en sus días de niño en el cine de Fabero.

10. Send Help (Enviad ayuda) (Send Help, 2026) de Sam Raimi

Pese a su cinefagia probada, Marce raramente se aventuraba ante una gran pantalla en su edad madura. Mis padres acudían con cuentagotas a estrenos españoles (Los santos inocentes, La vaquilla) y recuerdo con placer lo contentos que volvieron de Un pez llamado Wanda después de insistirles en que se lo pasarían bomba. Poco más. Pero hoy hubiera convencido a Marce de acompañarme a una sala para partirnos de risa asistiendo a los formidables excesos de la última película de Raimi. Para mí, las adversidades padecidas por la adorable Rachel McAdams entre esos ejecutivos cretinos son completamente extrapolables a las que cualquier persona decente sufre entre altos y medios cargos trepas de una gran editorial, y seguro que Marce hubiera identificado también los tics de algunos de sus jefes. Pero me juego el gaznate a que le hubiera asombrado lo amoral de su desenlace: básicamente, su moraleja de que el crimen sí paga. Eso lo hubiera desconcertado primero y luego divertido. Y siempre, por más que fuera un hombre de pueblo sin desbastar y le faltara el barniz protector y agradable al tacto que lucían sus muebles, se hubiera posicionado del lado de la mujer soñadora que se sale con la suya, aunque no perdonaría la muerte de seres inocentes.

1. El más valiente entre mil (Will Penny, 1967) de Tom Gries

Creo que ha sido la peli del Oeste que más hemos disfrutado juntos. Hoy me epata descubrir que, en un western como Horizontes de grandeza, mis amigos se identifiquen más con el petimetre civilizado y norteño interpretado por Gregory Peck, cuando Marce y yo siempre estuvimos completamente a favor del patán sureño representado por Charlton Heston (otro mito común). Será que las infancias duras no pueden alumbrar un adulto sin sus dosis de resentimiento hacia el citadino pudiente. Imposible, pues, para Marce no identificarse también con Will Penny, ese renqueante vaquero prejubilado que, pese a saberse obsoleto, aún encuentra arrestos para defender a una mujer y a su crío de una familia de forajidos. Mientras protege a madre e hijo, se sentirá simultáneamente incapaz de convencerse de que todavía no es tarde para fundar un hogar con ellos. En esta ocasión, Heston era solo cuarentón en el rodaje y ofrece para mí su interpretación más delicada y conmovedora, igualada por una enorme Joan Hackett. Cómo podría nadie contener las lágrimas al recordar lo desvalido de Heston cuando quiere transmitir a su nueva compañera que ya se ve impedido para empezar de cero. Esos brotes de derrumbe emocional y de autopercepción como alguien incapacitado para asumir el rol de cabeza de familia nos tocaban invariablemente la fibra a papá y a mí. Supone un instante inolvidable de comunión silente entre ambos. Lo triste pero aliviados que suspirábamos cuando veíamos a Will agarrar el caballo y reemprender su estéril huida hacia adelante.

2. El ingenuo salvaje (This Sporting Life, 1963), de Lindsay Anderson

Marce y yo nunca vimos un filme que retrate mejor que El ingenuo salvaje la rabia de clase que nos definía. Basado en una novela de David Storey (autor, creo, poco publicado en España y que ahora he tenido la suerte de explorar en otras ficciones suyas donde siempre plasma el mismo asunto de fondo, un leitmotiv centrado en un protagonista clasebajero que se siente torpe y alienado en el mundo de las élites, ya sean deportivas o artísticas: una versión actualizada, digamos, de mi adorado D. H. Lawrence sin su salvavidas hedonista), This Sporting Life nos muestra a un Richard Harris desatado en su ira contra los modos y melindres de las clases dirigentes. Una vez más, esa frustrante sensación de inadecuación del pueblerino que no sabe cómo comunicarse con el estamento privilegiado, irónicamente más liberal y progresista que el individuo que procede de la miseria, está vertida con atención al detalle y pasmante sabor genuino en esta obra de arte. ¡Cómo entendíamos al antihéroe mientras se autodestruía dentro y fuera del campo de rugby! ¡Y cómo disculpábamos que, finalmente, solo ansiara verlo arder todo!

3. Hasta que llegó su hora (C’era una volta il West, 1968) de Sergio Leone

Fue la última película que vi con Marce, solos él y yo. En ese tiempo, papá ya no hablaba y solo asistía fascinado y sumiso a cómo esas personas que intuía cercanas le daban de comer, lo aseaban y lo paseaban, y le procuraban todo el afecto. Días antes de irme de España para no regresar, me acometió la súbita necesidad de rastrear, entre la oferta cinematográfica de alguna plataforma, algún título simbólico para revivir las cenizas de nuestro pasado como padre e hijo frente a la caja tonta a la que tanto debemos. Arañar ni que fuera un vestigio de ese pasado, de cuando Marce era un padre callado que expresaba su cariño sin caricias, a su manera de hombre rudo y honesto.

Seguramente es el mejor western de la historia, o al menos de un tipo de western, el de mi preferencia. Más que western, ópera. Durante su visionado, con sus morriconadas a todo trapo como vía inductora y cuando menos lo esperaba, mis agónicas tentativas de comunicación verbal con Marce funcionaron, mediante la boba enumeración de los nombres de pila del reparto principal como pie propiciatorio: "Papá, ese es Henry…", le soltaba yo. "¡Fonda!", exclamaba él, extrayendo indemnes los últimos conocimientos vivos de ese pozo sin fondo en que se había convertido su cabeza. A Charles no le encontró el apellido y con Jason ni lo intenté, pero por contra "Claudia Cardinale" lo farfulló de corrido (hay bellezas superiores que ni el Alzhéimer logra erradicar de la memoria ni sepultar en el olvido).

Me pasé la película llorando. Mirando la figura emborronada de mi padre atendiendo con ojos desnudos y curiosos a las casi tres horas operísticas de Leone, como si cada secuencia le trajera sospechas de algo ya visto, de algo ya vivido, de algo que perteneció a su pasado íntimo, a su querencia visceral.

Nuestro rito frente al televisor se revalidó por última vez. La definitiva.

El padre de Hernán Migoya, en sus años mozos. (Cedida)

Soy huérfano desde hace unos meses, pero llevo diez años echando de menos a Marce. Porque, papá, no sabes lo duro que es no poder sentarme a tu lado en el sofá para escuchar contigo a Jorge Negrete, ver contigo a Robert Taylor y sentir que tengo conmigo al mejor padre del mundo.