Esta historia mitológica no solo recoge el funesto destino de un pobre fauno, sino el nacimiento de un instrumento musical que ya casi nadie toca o escucha. Se trata del aulós, una especie de oboe de dos boquillas que en la Antigua Grecia era sumamente popular en las orgías y bacanales en honor al dios Apolo. Lo podemos ver en diversas vasijas y esculturas, pero sobre todo lo podemos escuchar de la mano de una de las pocas personas en el mundo que sabe tanto construirlo como interpretarlo: el gallego Abraham Cupeiro.
El aulós no es el único instrumento de épocas pretéritas que posee Cupeiro; en su haber cuenta con más de cien instrumentos rescatados del olvido. Su tarea no solo ha consistido en construir con sus propias manos reproducciones fidedignas de aparatos musicales con los que los antiguos conectaban lo divino y lo terrenal, sino que ha edificado grandes catedrales de sonido que cuentan cada una de las historias en las que están enmarcados los instrumentos. Así, acaba de publicar su segundo álbum, Mythos (Loira Records, 2024), grabado junto con la Royal Philarmonic Orchestra de Londres en los míticos estudios Abbey Road. Actualmente, el músico está presentando este nuevo trabajo por teatros y auditorios de toda España, y pronto, del mundo entero.
"Para mí, lo antiguo tiene algo de futurista. Son sonidos que no hemos escuchado durante miles de años y un día vuelven a nosotros", nos cuenta, a través de una conexión por videollamada a su taller, localizado en mitad de los bosques profundos de Lugo. "Cuando era pequeño viví un momento que me ha obsesionado hasta ahora. Iba en el coche de mi padre por la noche y a través de la ventanilla veía las copas de los árboles, su sombra oscura... Es imposible no soñar con todas las historias que te contaron tus abuelos en un entorno así. Vivíamos en una casa de pueblo y teníamos cocina de leña, entonces era muy típico eso de que todos los miembros de la casa se sentaran a contar historias. Incluso, venían los vecinos a hablar y escucharlas".
"En Galicia, la música todavía no se ha convertido en un museo. Es uno de los últimos amazonas culturales europeos"
Pese a escribir sinfonías que hablan de paisajes mitológicos como Atlantis o Tir Na Nog, presentes en Mythos, no habría llegado a desplegar todo su entusiasmo por los instrumentos antiguos si no fuera por haber crecido en el seno de su Galicia natal. "Vivimos en uno de los últimos amazonas culturales europeos en lo que se refiere a música tradicional y popular", asevera, emocionado. "En Galicia, la música todavía no se ha convertido en un museo, es algo vivo: la gente siempre canta en las tabernas y fiestas. Lo culto y lo popular siempre han estado unidos de forma natural. A mí me interesa especialmente lo popular porque te conecta con nuestras raíces ancestrales".
Todo gracias al karnyx
Al preguntarle por sus inicios, comenta que estaba acabando su carrera en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid cuando quiso construirse una trompeta barroca sin pistones debido a que no tenía dinero. "Entonces, decidí fabricarla", asegura, dándose cuenta de que podía hacer lo mismo con otros tantos instrumentos. Sin embargo, eso tampoco le daría de comer, por lo que se metió a estudiar oposiciones, lo que le condujo progresivamente a una depresión muy dura de la que no pudo salir hasta pasados seis años. Su habilidad para construir con sus propias manos instrumentos quedó en un limbo, pero de alguna forma empezó a recordar. "Volví a la senda que había dejado atrás, y todo gracias al karnyx".
El karnyx, a diferencia del aulós, tiene una forma más impresionante. Se trata de una larga trompeta de bronce de aproximadamente cuatro metros que tiene en su campana una cabeza de jabalí y era interpretado durante la Edad del Hierro, desde el 300 a. C. hasta el 500 d. C. "La primera vez que lo vi fue en una moneda que exigió un legionario romano como trofeo celta", explica, mientras nos lo enseña a través de la videollamada, dándonos cuenta de que efectivamente se necesita un techo muy alto para tocarlo en interiores debido a su gran tamaño. "Hice un trabajo de investigación para ver cuánto medía una persona de la época y a la hora de fabricarlo también me dejé llevar por la imaginación. Años después, me contactó un grupo de arqueólogos que habían desenterrado el único karnyx que se encuentra entero en todo el mundo, y me invitaron a probar una réplica del mismo. La diferencia entre el que hice yo y el suyo era de apenas 23 milímetros. Ambos estaban en la misma tonalidad".
Las manos, una máquina del tiempo
Este instrumento de tiempos antediluvianos hace su aparición estelar en "Plegaria a Minerva", el segundo tema de Mythos que narra la historia de un soldado que, antes de plantar batalla, reza a la diosa de la sabiduría y de la guerra para salir sano y salvo de la contienda. El karnyx, a diferencia del aulós, tiene un sentido más bélico, pues como cuentan las leyendas era tocado por los romanos en sus batallas contra los cartagineses para ahuyentar y defenderse de los grandes elefantes de guerra que llevaba el ejército de Aníbal el Cartaginés.
"Si dejásemos de utilizar las manos, nuestro cerebro dejaría de evolucionar. Lo manual hace que entres en un estado contemplativo"
Sus manos son, literalmente, una máquina del tiempo. "Esto", dice, señalándoselas, "es el segundo cerebro del ser humano y evolucionamos gracias a ellas", reflexiona el músico. "Si dejásemos de utilizar las manos, nuestro cerebro dejaría de evolucionar. Lo manual hace que entres en un estado contemplativo. Cuando construyo un instrumento, la frustración me invade muchas veces, pero al menos tiempo estoy enfocado en algo. Al terminar, después de cinco o seis horas de trabajo, mi mente está libre y sana. Alguna vez me ha pasado que he estado delante del teléfono tres o cuatro horas, por desgracia, esperando aviones o tal... y el cerebro se sobrecalienta, es como si no funcionara bien".
Esta es la segunda vez que graba en Abbey Road. Su anterior trabajo, Pangea (2020), estaba centrado en cada uno de los continentes del globo terráqueo. Ahora, hace lo propio revisitando la mitología de nuestros ancestros y de distintas épocas históricas. Tanto la composición como la ejecución musical rezuman complejidad y abstracción, pues contienen una vasta cantidad de líneas melódicas en temas que se alargan hasta más allá de los siete minutos. Él le quita hierro al asunto, alegando que "a veces, lo difícil es hacer algo simple".
"Es nuestro lenguaje, el que llevamos hablando desde que éramos pequeños", admite, refiriéndose también a su fiel colaboradora con la que prepara los textos musicales, María Ruiz. "El 85% de todo lo que hacemos es entre dos personas y luego, en la puesta en escena, la orquesta con la que tocamos allá donde vamos aprende las ejecuciones. Para este álbum quería que tuviera más protagonismo, el anterior tenía canciones más pegadizas. Queríamos que la tela de araña musical fuera más densa, pero al mismo tiempo que no espantara al público". Tan solo queda escuchar y experimentar con nuestros propios ojos, oídos y manos, las profundidades mitológicas en las que nos sumerge Cupeiro.
]]>Para promocionar este trabajo, la cantante colombiana acudió a The Tonight Show, el programa que presenta Jimmy Fallon, y que ya visitó el pasado mes de marzo junto a Bizarrap para presentar su nuevo éxito musical BZRP Music Session #53, donde criticaba duramente al exfutbolista Gerard Piqué, su pareja durante 11 años y padre de sus hijos Milan y Sasha, con el que rompió en 2022 por una infidelidad de él con Clara Chía.
“Ha sido muy difícil poner todo lo que sentía en un álbum y darle forma, porque no tenía tiempo, era lo que tenía tener marido. Ahora ya no lo tengo. El marido me arrastraba, me hundía. Ahora soy libre y puedo trabajar de verdad”, reconoció la de Barranquilla a Fallon, haciendo referencia al lastre que Piqué supuso en su carrera profesional, según sus palabras, ya que incluso se mudó a Barcelona para estar a su lado.
"Because it’s men’s turn now."-@shakira on the title of her new album Las Mujeres Ya No Lloran 🤣 #FallonTonight pic.twitter.com/gV5HaEcOJz
— The Tonight Show (@FallonTonight) March 26, 2024
“Ahora les toca llorar a los hombres. Lo hemos estado haciendo demasiado tiempo las mujeres. Nos enviaban siempre a llorar a nosotras por el hecho de ser mujeres. Siempre nos han dicho que tenemos que controlar nuestros sentimientos delante de la gente y delante de nuestros hijos”, explicó la cantante sobre por qué había elegido el título Las mujeres ya no lloran para este álbum.
"Necesitaba sentirme mejor"
Siguiendo su discurso, la colombiana aseguró que “nadie te tiene que decir cómo actuar” y añadió “se supone que nadie debe decirle a una loba cómo lamer sus heridas". "Ahora las mujeres deciden cuándo llorar, cómo llorar y hasta cuándo”, afirmó la cantante, lo que arrancó apabullantes aplausos del público.
"No one is supposed to tell a she-wolf how to lick her wounds… Now women decide when to cry, how to cry, and until when."-@shakira explains the meaning behind Las Mujeres Ya No Lloran. #FallonTonight #LMYNL pic.twitter.com/sttIZ8k6AK
— The Tonight Show (@FallonTonight) March 26, 2024
El álbum de esta renacida y empoderada Shakira incluye todas las canciones dedicadas al exjugador del Barça, además de otros temas nuevos, demostrando que sin Piqué ha logrado el impulso necesario para trabajar y hacer música como antes. “Necesitaba sentirme mejor, estaba reconstruyéndome y la única vía que tenía para volver a estar entera era a partir de la música, porque es mi pegamento. Me he sentido mucho mejor escribiendo todo lo que sentía. Este álbum ha sido mi catarsis”, aseguró sobre su recién estrenado trabajo.
]]>Junto a Acróstico, la canción que dedicó a sus hijos Milan y Sasha, Última es una balada, “una canción que la tenía enquistada y que la tenía que sacar como sea”, dijo la cantante en una entrevista a Apple Music. A pesar de que ya se encontraba fuera de plazo para cerrar el álbum, “y contra la voluntad de todos”, ella manifestó su necesidad de “escupirla”. “Me ahogaré. Necesito sacar esto”, confesó que les dijo a productores y discográfica.
Algo más sosegada que en temas como BZRP Music Session #53 o TQG, El Jefe o Copa Vacía colaboraciones junto a Bizarrap, Karol G, Fuerza Regida y Manuel Turizo respectivamente, la colombiana escribe en Última una carta de despedida a Piqué tras 12 años de amor. “Se nos perdió el amor a mitad de camino. ¿Cómo es que ya te cansaste de algo tan genuino? No trates de convencerme, te lo pido, que ya está decidido. Nos queda lo aprendido”, dice parte de la letra de este nuevo single.
Letra de 'Última'Antes que nada, te agradezco lo vivido.
Por favor, déjame hablar, no me interrumpas, te lo pido.
Lo que nos pasó, ya pasó, y no tuvo sentido.
Y si estuviste confundido, ahora yo me siento igual.
Seguramente con el tiempo te arrepientas.
Y algún día quieras volver a tocar mi puerta.
Pero ahora, he decidido estar sola.
Se me perdió el amor a mitad de camino.
¿Cómo es que te cansaste de algo tan genuino?
No trates de convencerme, te lo pido.
Que ya está decidido, nos queda lo aprendido.
Tú querías salir y yo quedar contigo en casa.
Tú comerte el mundo y yo solo quería tenerte.
Ya ni tus amigos con los míos combinaban.
Más fácil era mezclar el agua y el aceite.
Dices que te hacía sentir que nunca nada me alcanzaba.
Y que para mí todo era poco, insuficiente.
Así que te fuiste y me dejaste un hueco aquí en mi cama.
Pasa el tiempo y no puedo sacarte de mi mente.
Seguramente con el tiempo me arrepienta.
Y algún día quiera volver a tocar tu puerta.
Pero ahora, debo aprender a estar sola.
Se nos perdió el amor a mitad de camino.
¿Cómo es que te cansaste de algo tan genuino?
No trates de convencerme, te lo pido.
Que ya está decidido, nos queda lo aprendido.
Se nos rompió el amor a mitad de camino.
¿Cómo es que te cansaste de algo tan genuino?
No trates de convencerme, te lo pido.
Disponible en todas las plataformas digitales y con una cuádruple edición en vinilo, la letra de Última ha dejado de ser un misterio y todos los seguidores de Shakira ya pueden disfrutar de esta balada sobre piano de tres minutos de duración en la que se pueden entresacar muchos mensajes encriptados. La colombiana avisa en Instagram: “Última. A buen entendedor…”.
]]>Crespo es una de las voces más autorizadas de su generación, en cuanto a esa mentalidad que consiste en escarbar y obtener lo mejor del pasado. Cercano a los exponentes más oscuros del post-punk, el grunge y la nueva ola, su perfil evidencia una profunda atención por aquellos discursos más intimistas, donde imprime fascinantes historias sobre la soledad, las relaciones sociales y, como no, el entramado digital en el que estamos inmersos.
Todo ello, apuntado en letras que se desplazan muy cómodas entre el nihilismo, la fatalidad y lo fantasioso. “Metadatos por tus venas / Videos de gatos mientras cenas”, recita en Apocalipsis virtual, a la vez que habla de yonkis de la red e hijos de Skynet. “Todo lo escribo en mi cuarto. Yo solo... Yo solo con mi cabeza, con mis cosas, ahí es donde sale todo”, confiesa.
Parco en palabras, con frases que se alargan y de las que hay que extraer todo el jugo y potencial; fue el sello Sonido Muchacho el encargado de dar visibilidad a una figura que no ha parado de crecer en estos últimos cuatro años, con una clara presencia en Sudamérica, de donde acaba de regresar de un concierto. Un ir y venir de directos que no le permite casi estar en Madrid, su casa. “Ahora mismo ni estoy grabando, ni componiendo, ni nada. Cuando vuelva de toda esta locura, ya descansaré un par de semanitas y me pondré con cosas nuevas”, expone.
Nihilismo y Joy Division
Su primer trabajo, Depresión Sonora, un EP compuesto por cinco temas, incluía himnos como Ya no hay verano o Hasta que llegue la muerte. El primero cuenta con 36 millones de escuchas en Spotify, mientras que el segundo va por los 15 millones. Desde una habitación, de esas que tienen una cama y una mesa desde la que hacer los deberes, Depresión Sonora se lanzó al mundo. Fue un acto realizado por pura necesidad. Un reflejo de los tiempos que estaba viviendo.
Ahora, las cosas han cambiado. Por lo menos, un poco.“Todo sale de mi habitación, pero ahora ya tengo una sin cama. Un cuarto para componer. Aquí echo las horas, buscando ideas, proyectando cosas que tengo en la cabeza. Hasta que ya las puedo sacar de ahí y les doy una vuelta, siempre intento darle un giro a la producción o a alguna estructura”, reflexiona. “Sus letras guardan un valor archivístico, testimonio de su propio tiempo. Si no has crecido en este contexto de dominio digital y recesiones económicas, tal vez te cueste un poco más entenderlo por mucho que puedas disfrutarlo igual”, cuentan desde su discográfica, en una nota de prensa donde también se habla de “el reverso nihilista y sarcástico de esos manuales de auto-ayuda a los que Marcos y los de su edad han sido sobreexpuestos”.
De aquel Depresión Sonora hasta el nuevo Makinavaja, pasando por su único largo, El arte de morir muy despacio, se vislumbra un sonido más cuidado, que no abandona una línea que lo emparenta con formaciones como Joy Division, The Cure o, más de aquí, Paralisis Permanente, Decima Victima o los primeros Gabinete Caligari. También con lo que es toda la nueva onda de grupos cercanos al shoegaze. “Sí, yo ahora mismo estoy muy obsesionado con eso, con los noventa, dos miles. Estoy ahí como buscando un montón de cosas e intentando sacar referencias para lo próximo que haré”, destaca
Nuevas y viejas generaciones
Detrás de Makinavaja, su último trabajo hasta la fecha, que presentará este viernes en La Riviera, se encuentran Diego Escriche y Harto Rodriguez, dos personas con las que es fácil buscar vínculos de afinidad. Nuevas y viejas generaciones. Lo mismo hay relación con bandas como La Plata, Dreamy Eyes, VVV [Trippin'You] u Orslok, que con Antifan, Rojuu o Carolina Durante.
“Respecto al disco nuevo lo veo como que está más producido. Le he podido dedicar más tiempo y se nota que está más cuidado en muchos aspectos”, señala. Sobre esa afición suya por contraponer términos, ideas y conceptos, lo piensa un par de segundos y responde: “Hay algo así, como una figura literaria. Sí, puede ser. Como que intento siempre utilizar los claroscuros que veo a mi alrededor. No ser absolutista, ni con lo bueno ni con lo malo”.
En Estupefacientes, el último track del álbum, por ejemplo, dice: “Estupefacientes para volver a soñar / Jaula de cristal, si la rompes, te vas a cortar”. Y en la presentación del disco en su Instagram, Crespo apuntaba: “Todo fluye, todo avanza y Depresión Sonora no es menos. La necesidad de evolucionar queda plasmada en esta portada, en Makinavaja, en el costumbrismo y esa realidad sucia en la que vivimos”.
Retazos de vidas y, muchas veces, insuficientes, que se acumulan en un Madrid repleto de emociones. Ese Madrid que cuando las giras le dejan espacio, le gusta recorrer a Crespo. “Me gusta salir mucho, aunque ahora lo hago menos. Mi guitarrista, por ejemplo, trabaja en un bar de Malasaña, el Weirdo. La verdad que siempre acabo allí”, indica. ¿Y se ve dentro de una escena madrileña? “Creo que nos conocemos todos. Pero me cuesta verme vinculado a una escena. Aunque grupos como Alcalá Norte son muy amigos”.
Este viernes presenta a su nuevo grupo. “Ahora en España empiezo a ir con banda completa, con dos músicos más, con batería, teclados, otra guitarra”, apunta. “Creo que consigo estar como mucho más arropado en el escenario, que estoy mucho más a gusto y todo suena bastante más potente”. A pesar de que Depresión Sonora es principalmente un proyecto solista en el estudio, Crespo está abierto a la colaboración, habiendo trabajado con una gama de artistas como Rojuu, Ghouljaboy o Javiera Mena.
También ha interactuado creativamente con el grupo Carolina Durante, con los que ha reimaginado el Cayetano de los madrileños. ¿Y lo siguiente? “Me quiero tomar con más calma los meses que vengan después. Que no sé si voy a poder, pero por lo menos intentarlo. Y pasármelo bien. Disfrutar del proceso”.
]]>Shakira lanza este viernes 22 de marzo su nuevo disco bajo un título que ha recogido de su exitosa sesión con Bizarrap: Las mujeres ya no lloran. La canción con el productor argentino ha sido un antes y un después en su carrera. Tras seis años sin sacar álbum, la colombiana ha aprovechado el buen momento musical para regalar a sus fans el que va a ser su duodécimo trabajo.
En su anterior disco, El Dorado, demostró que sabe adaptarse a las nuevas tendencias musicales. Aunque sus seguidores han tenido que esperar bastante tiempo, la cantante no ha dejado de sacar temas que se han convertido en un éxito en las listas musicales, radios y discotecas.
El Confidencial
En todo este tiempo la estrella internacional ha dejado claro que sigue liderando la industria. Su actuación en la Super Bowl y la lluvia de premios en 2023 son un ejemplo de ello. Pero, sin duda, la canción repleta de indirectas a su expareja Gerard Piqué, fue un gran ‘pelotazo’ con el que consiguió romper todos los récords.
Todo lo que se sabe del nuevo trabajo
Shakira anunció en febrero el nombre de su nuevo álbum con algunas pistas de lo que podremos escuchar en el nuevo proyecto. La artista ha elegido los minerales como hilo conductor, y cada una de las 4 portadas representan el diamante, el rubí, esmeralda y zafiro. Durante estos meses ha compartido algunos momentos de la grabación de Las mujeres ya no lloran y el tracklist.
16 canciones forman el disco, aunque siete de ellas ya han salido a la luz, como la sesión con Bizarrap o sus últimas colaboraciones con Rauw Alejandro, Ozuna, Manuel Turizo o Karol G. Destaca el tema con la rapera estadounidense Cardi B en español, Puntería. Además, Shakira quiere repetir el éxito de 2023 con otro tema junto al productor argentino.
En el nuevo álbum habrá reggaeton, afrobeat, rock, baladas, música mexicana y sonidos electrónicos. Para la cantante este nuevo trabajo ha sido un proceso sanador también a nivel personal. “Tuve que recoger las piezas de mí mismo y juntarlas todas de nuevo y la música era el pegamento”, dijo en una entrevista.
Hora del lanzamiento del disco
Pero su legión de fans lo que más ansiaba saber es la hora exacta del lanzamiento de Las mujeres ya no lloran para programar sus alarmas. A través de su web oficial ha lanzado una cuenta atrás y en España se podrá escuchar a partir de las 5 de la madrugada del 22 de marzo (hora peninsular).
Horas antes de su estreno, ha compartido algunas imágenes de su colaboración con Cardi B. Para el videoclip ha contado con la participación del actor franco-británico Lucien Leon Laviscount. “Afinando el tiro con Lucien en Puntería”, ha escrito en la publicación de Instagram.
]]>En 2006, esta saga vallisoletana vendió la promotora Parquesol al gallego Grupo Sanjosé por la friolera de 800 millones de euros, una auténtica fortuna que pusieron a resguardo, ante la tormenta que se avecinaba, bajo el paraguas del family office Naropa Capital.
Mientras sus otrora competidores luchaban por sobrevivir, ellos empezaron a desplegar su auténtica filosofía de vida: el budismo. Un camino que dos décadas después les ha llevado otra vez a la carretera, en forma de banda de rock con acordes de Siddhartha.
Superada la barrera de los 60 años, Marcos ha fundado Ren Moon Yard, una banda donde es vocalista, toca la guitarra acústica y compone. De hecho, son suyas las tres primeras canciones que ya han visto la luz: Weird Song, Samsara y Queen of my Sorrows.
Fernández Fermoselle y la gran obra del dalái lama para cambiar el Ibex
C. H.
"Además de su rock americano, lo que realmente distingue a Red Moon Yard es su mensaje. Un mensaje poco visto en nuestro país, e incluso podría decirse que tampoco es común fuera de nuestras fronteras".
"La banda pretende transmitir en sus canciones los valores trascendentales del budismo: la impermanencia de lo material, la interdependencia vital, la inestabilidad continua de esta vida omnipenetrante, el karma…"
Con esta definición se presenta Red Moon Yard en su página web, donde también asegura beber de artistas atemporales como Pink Floyd, Van Morrison, King Crimson, Steely Dan, Elvis Costello, Lou Reed, así como de otros contemporáneos, como Bon Iver.
A pesar de que apenas han empezado a tocar los primeros acordes, la banda ya ha firmado un acuerdo con la topoderosa Warner Music y el próximo 18 de abril tocará su primer concierto en la sala del Wizink, en Madrid. Hasta entonces, como un goteo, poco a poco irán dando a conocer todas las canciones de su primer album, Pureland.
En su puesta de largo, a 15 euros la entrada, Marcos estará acompañado por su hermano Ángel, que hace de teclista. El resto de la banda son los músicos Javier Schoendorff, Tomas Novati y Raquel Martín. En su lanzamiento, tampoco falta el merchandising, con camisetas y bolsas, las descargas en las principales plataformas, videoclip y making of. Todo, por supuesto, en inglés. Como los grandes rockeros.
Filantropía
Desde que vendieron Parquesol, los Fernández Fermoselle se ha centrado en vivir y divulgar el budismo. En 2008, crearon la Fundación Vistare, que en nepalí significa "lento, pero seguro" a través de la cual canalizan su compromiso con este pueblo. Un compromiso que desarrollan con programas de educación para niñas, como herramienta para luchar contra la pobreza, y que llevó al propio Marcos a viajar ahí y trabajar en el terreno cuando el terrible terremoto de 2015.
Su compromiso con este pueblo también le ha llevado a publicar en español, a través de su editorial Kailas, ‘El Mundo Físico’ y 'La Mente', obra sobre ciencia y filosofía que pretende dejar como legado el Dalái Lama. Un trabajo que compila las enseñanzas budistas milenarias, también desde el lado de la mente, de la filosofía y de la práctica.
]]>La idea de crear este club nace hace dos años de la mano de Ary Abecassis y Michael Link, y lo hace con el objetivo de crear una comunidad entre aquellos que buscan mejorar sus momentos de ocio con experiencias exclusivas en la capital. Abecassis confiesa que el club nace de su propia sensación de haber tenido un fomo muy fuerte y querer luchar contra esa sensación de no poder estar en todas partes.
El empresario ha viajado mucho toda su vida y cada vez que llegaba a una ciudad nueva se preguntaba dónde estaban los mejores locales, cuáles eran los secretos mejor guardados de aquel sitio. “Quise crear una plataforma que le diera la llave a un recién llegado a Madrid para tener acceso a una vida social llena de los mejores eventos, como si llevara viviendo aquí 20 años rodeado de la gente más influyente”.
Los miembros de la plataforma tienen acceso a recomendaciones personalizadas, reservas prioritarias en los mejores restaurantes y fiestas privadas. Además, facilita la conexión entre personas con aspiraciones análogas. “Convertirse en miembro de Jomo no solo significa acceder a lugares exclusivos y menos conocidos en Madrid, sino también disfrutar de tratamiento VIP y acceso privilegiado a eventos”, explica Abecassis.
El club ha hecho alianzas estratégicas con más de 100 restaurantes, locales artísticos y centros de bienestar en donde sus miembros pueden ir a tener las mejores experiencias que puede dar Madrid. Armando Benedetti ha vivido los últimos seis años en Madrid, y cuando estaba haciendo su máster en la universidad del IE veía que todo el mundo le hablaba del club y de sus eventos exclusivos. Un día, consiguió entrar en una de las fiestas y empezó a hablar con uno de los fundadores de Jomo. “Le dije que llevaba tiempo viendo su marca en redes sociales por todos lados.
Me salía en Instagram, me salía en los chats con todos mis amigos y todo el mundo estaba hablando de Jomo, pero yo no tenía ni idea de qué era. En ese momento, me explicaron que era una comunidad de miembros, y que hacían eventos de todo estilo, pero sobre todo que era el sitio ideal para conocer a gente como yo, que ahora vive en Madrid y quiere descubrir la ciudad”, asegura Benedetti, que ahora es miembro del club.
Ahorrar colas y entrar antes
Como miembro de Jomo, uno puede ahorrarse además las largas colas que se generan en restaurantes o eventos con asistencia limitada. “Jomo es el compañero de confianza que todo individuo debe tener cuando busca recomendaciones en destinos de moda durante sus viajes”. Por eso, cuenta con un asistente disponible las 24 horas para consultarle sobre el mejor plan para hacer en la ciudad. Abecassis se siente orgulloso de ser el primer miembro de su club y haber podido convertir su pasión en un negocio. “Tengo el don de atraer a la mejor gente a los mejores lugares”.
Como le sucedió a Benedetti, que asegura que el club le ha dado una forma de vivir Madrid diferente. “Jomo me ha cambiado la vida porque me ha ayudado a desarrollarme en Madrid. Entre aspectos sociales, oportunidades de trabajo y proyectos que han ido saliendo, tengo mucho que agradecer al club”. Este es muy exclusivo con los miembros que acepta. “Queremos perfiles diferentes. La diversidad en el club es muy importante para crear la comunidad que queremos”. La mayoría son extranjeros y mujeres de entre 25 y 40 años. La membresía tiene un costo entre los 20 y 50 euros mensuales, y solo aceptan a uno de cada cuatro solicitantes.
En febrero, dos de sus eventos estrella estuvieron enfocados en la exquisitez gastronómica y el bienestar. Después, afterwork en el renombrado restaurante libanés Onoe y clase de barré. Los eventos se dividen en cuatro temáticas diferentes: arte, networking, comida y fiesta. “Artistas como Jaime Monge han sido protagonistas de los eventos de Jomo Art, en los que los miembros de la plataforma disfrutaron de una tarde de arte, vino y buena compañía”, aseguran desde el club. Uno de sus fuertes es el ocio, y es por eso que hace unos meses hicieron una fiesta privada en la Galería de Cristal de Madrid del Ayuntamiento solo para miembros. “La música electrónica es el pilar fundamental sobre el que se sostiene Jomo Music, en sus eventos han participado DJs como Bora Uzer, Notre Dame, Sasson, Saldivar y VAVA B2B Scram”.
Del 10 al 17 de marzo, los salones del Santo Mauro acogerán Ethereal, una exposición efímera con obras nunca antes mostradas al público de los reconocidos artistas españoles Eladio de Mora Demo, Jaime Monge, Anna Barrachina, Miguel Díaz Belda y Äcondieresis. “El objetivo de esta exposición temporal, curada por Carol Sepúlveda, fundadora de The Global Art Company, y producida por el distinguido club social Jomo Madrid, es invitar a los visitantes a sumergirse en la belleza de lo efímero y la trascendencia de lo tangible”, aseguran desde el club.
]]>Algo que ha sorprendido para bien a los seguidores de la granadina es la lista de precios de las entradas para su concierto, ya que estos son bastante asequibles para casi todos los bolsillos. La entrada más barata, en la categoría de grada 5, cuesta tan solo 30 euros y la más cara, en la categoría de grada 1, tiene un coste de 58 euros.
La estrategia empresarial de Lola Índigo para llegar a lo más alto con su música
Noelia Zazo
Los seguidores de la extriunfita han aplaudido esta política de precios, por lo que han apodado a la cantante como “la reina del proletariado”, al alejarse del elevado importe que suele imperar en este tipo de eventos, que convierte su acceso en algo completamente elitista y fuera del alcance de muchas personas que no tienen tantos recursos.
Cuándo comprar entradas para el concierto de Lola Índigo
La preventa de las entradas para el concierto de la niña de la escuela se abrió este lunes 11, de marzo, de forma anticipada y exclusiva conalgunos tickets para clientes del Banco Santander. Como era de esperar, estas se agotaron a gran velocidad, situación que previsiblemente será igual cuando se pongan a la venta el resto de las localidades.
La venta general de entradas se realizará el jueves 14 de marzo a las 13:00 horas, por lo que los fans aún tienen tiempo de hacerse con sus billetes, cuya entrada general cuesta 39 euros. Además, también se dispone de entradas para personas con movilidad reducida gracias a la gran accesibilidad del estadio.
Los precios de las entradas para ver a Lola Índigo oscilan entre los 58 y los 30 euros, por lo que la han apodado como la "reina del proletariado"
La preventa ha tenido lugar pocos días después de que la cantante lanzara su nuevo single, llamado 1000 cosas, junto al cantante puertorriqueño Manuel Turizo, cuyo videoclip acumula miles de reproducciones y permite ver a Lola Índigo en diversos registros, demostrando que es una artista versátil y polivalente.
]]>Poco a poco se van conociendo los nombres de los artistas que representarán a su país el 11 de mayo en Malmö (Suecia). Portugal ya tiene a su candidata tras alzarse con la victoria del Festival da Canção. Iolanda se subirá al escenario de Eurovisión 2024 con su tema Grito.
La joven de 29 años tendrá que defender su canción en la primera semifinal para conseguir su plaza en la gran final. La cantante conquistó en el certamen portugués. Se llevó la máxima puntuación del jurado y se impuso sobre el resto de participantes con 22 puntos.
Rosalía, su fuente de inspiración
Iolanda mezcla la música tradicional portuguesa con ritmos más actuales electrónicos. Una unión de dos géneros muy distantes generacionalmente que recuerda al rompedor debut en la escena musical de Rosalía. La representante de Portugal en Eurovisión ha admitido que la catalana es una fuente de inspiración desde que la descubrió en Los Ángeles, según afirmó en el medio SAPO.
A partir de ese momento la fascinación por Rosalía fue in crescendo. No se la quiso perder en directo y acudió a su concierto en Londres, a pesar de que “detesta los escenarios grandes”. “Me gustaría mucho conocerla algún día. La amo. Es increíble, me encanta", añadió.
Como ella misma ha reconocido, Rosalía es uno de sus grandes referentes. Y se puede comprobar en la actuación de Grito. Iolanda acapara la atención del espectador con un inicio a capela que evoca al género patrio, el fado. Una puesta en escena a la que luego se suma un grupo de bailarines vestidos totalmente de blanco para seguir con un ritmo más urbano.
Sus inicios
Tomará el relevo de Mimicat, que quedó en el puesto 23, con una letra sobre su crecimiento y evolución personal. Iolanda nació en Figueira da Foz y desde muy pequeña demostró su afición por la música. Un talento precoz que pronto descubrieron sus padres, por lo que no dudaron en apostar por su carrera musical. Comenzó a estudiar en el Conservatorio de Pombal y participó en varios concursos televisivos durante su adolescencia. Iolanda pasó por los escenarios de Uma Canção para Ti, Ídolos o La Voz de Portugal, aunque finalmente acabó estudiando Comunicación en Lisboa.
Pero siguió apostando por su vocación y lanzó en 2023 su primer EP. Un año antes tuvo su primer contacto con Eurovisión tras formar parte de la composición de una de las canciones portuguesas. Ahora, también pondrá la voz al tema seleccionado para representar a su país.
]]>Esa es la historia detrás de La Bella Susona, la ópera del compositor Alberto Carretero que el próximo miércoles, día 13, tendrá su estreno absoluto en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Se trata del primer estreno mundial de una ópera compuesta por un sevillano en el Teatro de la Maestranza.
La obra, un encargo de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), llevará al espacio escénico del Paseo Colón una historia de "amor, traición y redención en una Sevilla de leyenda", en palabras de Carretero. “Su marcado carácter operístico aparece reflejado en el contexto de la época, con los mundos judío y musulmán. Un homenaje a Sevilla como ciudad de ópera”.
La obra cuenta en su elenco artístico con el libretista Rafael Puerto, el director musical Nacho de Paz, el director de escena Carlos Wagner, y Daisy Press, Luis Cansino y José Luis Sola como algunos de los intérpretes que conforman el reparto. Es una producción propia del Teatro de la Maestranza en colaboración con el Auditorio de Tenerife.
Tras el estreno absoluto de La Bella Susona el miércoles día 13, se llevará a cabo una segunda función dos días más tarde, el viernes 15, siempre en el Teatro de la Maestranza.
]]>Unos meses antes de que se convirtieran en una banda con la capacidad de abarrotar pabellones y estadios, el trío estadounidense presentó aquel disco en el club Ku-Manises, la noche del jueves 2 de junio de 1994, ante casi un millar de valencianos. Tres años atrás, un 30 de noviembre de 1991, solo fueron 60 amantes del punk y el hardcore quienes los disfrutaron en la casa okupa del Kasal Popular Flora, situada en el barrio valenciano de Trinitat, entre el Museo de Bellas Artes y los Jardines de Viveros.
Jorge Carod tenía 17 años y formaba parte de los hardcoreros Foreword cuando teloneó a Green Day en el Kasal Popular. “Como casi todas las giras underground de punk y harcore que recorrían el país, aquello estuvo organizado por Zambombo, una productora de Zaragoza, y los catalanes Cap Cap. Algunos chavales valencianos de los últimos años ochenta estábamos un poco hartos de aquel lema punk de no hay futuro y del exceso de drogas y alcohol, así que nos metimos en la escena hardcore. Éramos unos bichos raros con melena y patín que escuchaban a Bad Religion y no tomábamos alcohol ni otras drogas”.
En 1991, los activistas hardcore del colectivo Zambombo y Javier Ortiz realizaban un programa radiofónico en Radio Libertaria llamado Última Generación desde donde radiaban las novedades del género. “Me llamaron para anunciarme la salida del single de un grupo californiano desconocido y flipamos porque era un sonido diferente al típico sonido hardcore rápido y agresivo. Había melodías. Cuando nos enteramos de que girarían por España, propusimos al Kasal Popular una fecha para ellos en Valencia con nosotros como teloneros. En asamblea ratificaron la decisión y actuaron por primera vez en Valencia en noviembre del 91”.
En el Kasal Popular se congregaron algo más de medio centenar de espectadores para ver al grupo de Billie Joe Armstrong y a los valencianos Foreword. “No los conocía nadie, pero es que hablamos de un circuito muy minoritario. Un año después, éramos quince personas viendo a NOFX en la sala Abraxas de Benidorm, ese era el contexto. A Green Day se les pagó lo que se vendió de entradas, que daría para cubrir los gastos de gasolina de la furgoneta destartalada que traían”, recuerda Carod.
La precariedad laboral era irrelevante para aquellos jóvenes que aún no alcanzaban la veintena. Los miembros de Green Day estaban involucrados en el movimiento okupa, era parte de su identidad y mantuvieron los directos en estos espacios culturales autogestionados hasta que lanzaron Dookie en 1994. “Yo no hablaba inglés, así que me comunicaba con Billie Joe escribiendo en un papel los nombres de nuestros grupos de punk y hardcore favoritos para descubrirnos bandas. Éramos chavales de 18 años de países diferentes creando música nueva, que después se convirtieran en estrellas del rock no cambia aquello”, incide Jorge.
“Valoro la integridad de Green Day. Cuando estaban en la escena underground punkhardcore cantaban al amor y al llegar a la cima mediática y de alta popularidad lanzaron discos reivindicativos y de contenido social confrontando al sistema estadounidense”, concluye. Dos años después, en 1993, Green Day regresaron a tierras valencianas. A una casa okupa, el Ateneo Libertario La Canya de Vila-Real, teloneados por Trip Inside, unos zaragozanos que parecían salidos de una Seattle maña imaginaria. “Solo a cuatro locos nos apasionaba aquella mezcla de hardcore y punk.
La relevancia de Green Day, que no hacían hardcore estricto, fue que muchos músicos nos decidimos a introducir las melodías en esos ritmos rápidos y vertiginosos Aún no existía la etiqueta del hardcore melódico, para nosotros era algo similar a hardcore con mucha melodía o punk melódico de toda la vida, pero hecho por nuestra generación”, argumenta el músico valenciano.
La Policía Nacional desocupó el Kasal Popular Flora en 1996 finiquitando un centro de autogestión cultural fundamental de Valencia. Durante aquel suceso, la futura militancia del partido fascista España 2000, entonces miembros de la empresa de seguridad privada Levantina y del grupo neonazi Acción Radical, increpaban a los habitantes de Flora. En 1993, Davide Ribalta, miembro fundador del Kasal Popular, y Guillem Agulló, militante antifascista, fueron asesinados por escuadrones de la extrema derecha.
Esta semana, el concejal de Vox Juan Manuel Badenas, segundo teniente de alcalde del Ayuntamiento de Valencia y célebre en la ciudad por hacer campaña electoral con un taladro para eliminar carriles bici y por creer que Vicente Blasco Ibáñez fue un monárquico conservador que hoy votaría a su formación, ha anunciado que retirará el nombre de Guillem Agulló de un paseo de los Jardines de Viveros.
]]>Tras el éxito arrollador en la venta de entradas para los tres conciertos que la cantante colombiana Karol G ofrecerá en el Estadio Santiago Bernabéu de Madrid los días 20, 21 y 22 de julio de 2024 en el marco de su gira Mañana será bonito Europe Summer Tour, la artista ha anunciado una cuarta fecha el próximo 23 de julio, para alborozo y alegría de sus seguidores.
La rapidez con la que La Bichota, apodo por el que se conoce a la de Medellín, colgó el cartel de sold out en las fechas propuestas para llevar su gira por España, incendió las redes sociales. Muchos usuarios mostraron su indignación después de “estar horas” esperando en la cola virtual de los puestos de venta y no lograr acceder a la selección de la entrada.
🦋🌈🌵🌸¡Añadimos nueva fecha para ver a @KAROLG en Madrid! El Mañana Será Bonito Europe Summer Tour el 23 de julio en el Estadio Santiago Bernabéu! 💖🏝️💖🏝️🎟️: Toda la información en https://t.co/DBUhUrBSPuNos vemos pronto 🌊🍄✨ pic.twitter.com/g4uNviFJ0d
— Live Nation España (@LiveNationES) March 5, 2024
El anuncio lo ha realizado este martes, 5 de marzo, la productora de eventos musicales Live Nation, que además ha revelado cómo y cuándo los fans de Carolina Giraldo, verdadero nombre de la artista, pueden hacerse con las entradas para este cuarto concierto.
¿Cómo comprar entradas para ver a Karol G?
Las entradas se podrán adquirir en modo preventa este jueves 7 de marzo a las 10:00 horas en Live Nation y Santander SMusic y la condición de acceso es estar registrado en la web de livenation.es o ser cliente del Banco Santander, acceder a través de la web santandersmusic.com y pagar con una tarjeta emitida por esta entidad.
Para acceder a la lista de espera, y tal y como informan desde la plataforma, los fans pueden entrar 15 minutos antes, es decir, a las 9:45 horas. Eso sí, para comprar las entradas hay que estar registrado, por lo que es aconsejable hacerlo previamente para no perder tiempo y coger turno rápido, visto que las entradas de los conciertos anteriores se agotaron en tan solo 25 minutos.
La artista ha anunciado un cuarto concierto en Madrid para el próximo 23 de julio, para alegría de sus seguidores
En cuanto a la venta general de entradas, esta se realizará un día después, el viernes 8 de marzo a las 10:00 horas. Los seguidores de la cantante de temas como Tusa, Provenza o TQG podrán adquirirlas en livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés siendo el límite de 6 entradas por compra.
¿Cuánto cuestan las entradas?Planta 1 Pista A: 115€ + 15,50€ gastosPlanta 2: 95€ + 12,50€ gastosPlanta 3 Pista B: 85€ + 11,50€ gastosPlanta 4: 80€ + 10,50€ gastosPlanta 5: 68€ + 9€ gastosPlanta 6: 58€ + 7,50€ gastosVIP 1 - Besties Lounge Experience: 420€ + 56€ gastosVIP 2 - Oki Doki Premium Early Entry Package: 290€ + 38,50€ gastosVIP 3 - Qlona Early Entry Package: 210€ + 28€ gastosVIP 4 - Dispo Premium Seated Package: 270€ + 36€ gastosVIP 5 - Bichota Seated Package: 205€ + 27,50€ gastos
Madrid será la única ciudad en España donde Karol G actuará. La gira europea de la colombiana comenzará el 8 de junio en Zúrich (Suiza) y seguirá por otras ciudades como Colonia (Alemania), Ámsterdam (Países Bajos), Londres (Reino Unido), París (Francia), Milán (Italia), Amberes (Bélgica), Berlín (Alemania) y Lisboa (Portugal).
]]>El acontecimiento se explica porque Currentzis despierta aversiones y pasiones, probablemente porque sus lecturas musicales trascienden la rutina de los conciertos. Suceden cosas. Se experimentan situaciones extremas, más todavía cuando su rotunda afinidad a Mozart conecta con el repertorio espiritual. Currentzis no solo es un director extraordinario, sino un gurú, un médium que ha creado una orquesta a su medida y que explora todos los límites del misterio desde la sugestión y el magnetismo.Ya había grabado el Réquiem de Mozart hace una década. Lo hizo en una versión teatral y deslumbrante que repercutió entre las mejores referencias del repertorio historicista (Gardiner, Herreweghe, Jacobs, Harnoncourt…) y que supuso un aldabonazo en la trayectoria del maestro griego.
Griego y ruso, toda vez que las grandes experiencias de Currentzis han ido itinerando de Siberia a Perm y de Perm a San Petersburgo. Es la ciudad que aloja y que patrocina a musicAeterna. Y el motivo político que le ha originado protestas y problemas contractuales, más o menos como si reclutar a Currentzis fuera una manera de romper el bloqueo a Putin.
No hay declaraciones que relacionen al director de orquesta con la afinidad el zar. Y sí hay razones para diferenciar al régimen de los artistas. Hemos escuchado con toda normalidad estos meses a Sokolov, a Trifonov. Y tiene sentido celebrar que la sociedad cultural La Filarmónica haya organizado el Réquiem de Madrid, aunque el acontecimiento también depara escalas en Barcelona (Auditori, 11 de marzo) y Sevilla (La Maestranza,12).
Es una oportunidad para exponerse en condiciones a una de las obras más enigmáticas y sugestivas del repertorio. Porque Mozart la dejó a medio terminar. Porque le sorprendió mientras agonizaba. Y porque el éxito hollywoodense de Amadeus -la película de Milos Forman- ha consolidado y estilizado la versión extravagante según la cual el maestro Salieri, despechado por las humillaciones y las rivalidades, escribía a pie de cama la partitura mientras Mozart se la dictaba, musitaba, en pleno delirio.La leyenda resulta inapelable e inquebrantable en el contexto de la cultura popular, pero se agradecen con entusiasmo los tratados académicos y ensayos de enjundia que despojan la obra de tanto sensacionalismo.
Un buen ejemplo consiste en El 'Réquiem’ de Mozart, una historia cultural. Acaba de publicarlo Acantilado, pero no es la traducción del tratado de musicólogo foráneo -suele ocurrir-, sino el resultado de los trabajos que ha emprendido Miguel Ángel Marín para identificar los malentendidos que maltratan la partitura y para detenerse en su penetración en Hispanoamérica. El punto de partida consistió en el hallazgo de una versión del Réquiem que “yacía” en la catedral de Pamplona. Marín pudo consultarla. Y aprovechar la pista para descubrir la reputación prematura que la obra había adquirido en España poco después de la muerte del compositor. En Olot, en Orihuela, en Málaga, por ejemplo. Y en otras ciudades de ultramar que se adhirieron a la reputación encomiástica y favorable de la partitura. No solo por el halo de misterio que Pushkin convirtió en una premonitoria obra teatral, sino porque el Réquiem es una referencia nuclear de la Ilustración tardía y puede considerarse el embrión conceptual y estético del primer Romanticismo germano.
Mérito de Mozart, claro. Y de Franz Xaver Süssmayr, el discípulo del maestro que fue capaz de preservar el espíritu de la partitura y de formalizarla tal como va a interpretarla Currentzis. Quiere decirse que el Réquiem podía haberse convertido en un pastiche. Y que la proliferación de versiones ha estado cerca de desfigurarlo, pero el “misterio” de la obra le ha otorgado una insólita enjundia y homogeneidad estética, cultural y mística.
Decía el musicólogo Robbins Landon que la vida de Mozart no hubiera logrado por sí misma ocho Óscar. Se refería a los galardones de Amadeus. Y a las necesidades maniqueas que se instrumentaron e instrumentalizaron para construir el gran folletín. Empezando por los antagonismos del bien (Mozart) contra el mal (Salieri). Y por la crónica estrafalaria de la composición del Réquiem. Sabemos que se lo encargó el conde Franz von Walsegg al maestro salzburgués para honrar la muerte de su esposa, pero resultaba y resulta irresistible identificar a Mozart escribiendo su propia misa de difuntos.
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